OZONOPINO CLUB

ANÁLISIS DE “CALLE MAYOR” por Carla Calvo Hernández

2011-12-23T11:07:00.000-08:00

1.- RECOGIDA DE DATOS:
a) CONTEXTO DE PRODUCCIÓN:
Analizamos la película “Calle Mayor”, una de las más célebres obras del director Juan Antonio Bardem filmada hacia el año 1956, que incluso ganó el Premio de la crítica FRIPESCI del Festival Internacional de Cine de Venecia debido a la perfecta impresión que se realizó de la época (años 50). Es una obra basada y adaptada en “La señorita Trévelez” de Carlos Arniches. Caracterizada por ser una película de enseñanza moral, hoy en día nos hace ver muchos aspectos de la vida de ese momento en la historia de España además de indagar profundamente en los sentimientos de una pobre mujer engañada por Juan, quien ha realizado una apuesta con sus amigos, consiguiendo que los espectadores sean capaces de ponerse en su piel y entender no sólo sus sentimientos, sino también el malestar que se da todos los aspectos de la vida.
El filme se sitúa en los años 50 y su escenario principal es la Plaza Mayor de Madrid, España. Con ello, analizaremos pues, la posguerra en nuestro país, caracterizada por el dominio de la dictadura franquista. La sociedad, en general, se hallaba reprimida; y, en cuanto a la ideología estaban coaccionados y debían obedecer las órdenes establecidas por el franquismo que se movía entre censura y censura en todos los aspectos de la vida de los españoles. Decimos que durante este período se dio una gran crisis de valores, sobre todo en la cultura y en la política, en las cuales se negaba rotundamente la democracia, defendiéndose el totalitarismo y represión por encima de todo.
Ante esta situación, Isabel y Juan vivirán una historia amor basada en el engaño, en la cual ella se enamorará perdidamente, mientras que él solo está cumpliendo una de las muchas apuestas que realiza día a día con sus amigos. Poco a poco, según transcurre la película, iremos observando y percibiendo los sentimientos y pensamientos de Juan, que querrá acabar con todo esto cuanto antes. Reflejando con esto, claramente la sociedad machista de la época.
El verdadero mérito de Bardem con esta película se debe al estudio que realiza de las reacciones de los personajes principales, así como la visión del comportamiento de los “gamberros” (amigos de Juan). Podemos decir pues, que se trata de una película que, aunque tiene momentos de risa, termina de una manera desgraciada, por lo tanto, la encuadraríamos como una tragedia (perteneciente al género dramático) con la cual se pretende criticar la crisis de valores que sufre España en la posguerra (crítica realista).
b) FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:
PRODUCCIÓN: Cesáreo González; País: España, año 1956
DIRECCIÓN: Juan Antonio Bardem
GUIÓN: Juan Antonio Bardem (basada en “La señorita Trévelez” de C. Arniches)
MÚSICA: Isidro B. Maiztegui y Joseph Kosma
FOTOGRAFÍA: Michel Kelber
MONTAJE: Margarita Ochoa
ESCENOGRAFÍA: Enrique Alarcón
VESTUARIO: Humberto Cornejo

INTÉRPRETES:

Betsy Blair - ISABEL
José Suárez - JUAN
Yves Massard – FEDERICO R.
Manuel Alexandre – LUCIANO (amigote)
Lila Kedrova - PEPITA
Josefina Serratosa - OBDULIA
Alfonso Godá – JOSE MARÍA (amigote)
Julia Delgado Caro - SEÑORA DE LA PROCESIÓN
Dora Doll – TONIA
Luis Peña – LUIS (amigote)
José Calvo – DOCTOR (amigote)
María Gámez – MADRE
Pilar Vela – ENCARNA
Matilde Muñoz Sampedro- CHACHA

2. RECONSTRUCCIÓN DEL TEXTO FÍLMICO:
Juan es un hombre natural de Madrid, que pasa cada momento que puede con su grupo de amigos realizando apuestas y engaños con los cuales se regocijan de las personas. En una de ellas, Juan debe hacer pensar a Isabel, una mujer soltera a sus ya pasados treinta y cinco años, que está enamorado de ella. Así, surge una historia de amor engañosa en la cual ella lo da todo por él y poco a poco, el va sintiendo el dolor que la está causando por lo que se arrepiente y desea acabar con toda la farsa.
En cuanto a la segmentación dividiremos la película en tres partes:
1-La presentación del grupo de amigos y la realización de la apuesta (Siempre suelen estar en el bar jugando al billar y gastando bromas).
2-Juan conoce a Isabel y comienzan la historia de amor (farsa).
3-Desenlace fatal para ambos personajes (Juan comienza a sentirse culpable e intenta acabar con toda la farsa, pero conforme el tiempo va trascurriendo se va haciendo cada vez más complicado y se va a formando una bola cada vez más grande que acabará en la fatalidad para ambos personajes)
Paralelamente, podríamos hablar de dos subtramas, la primera, en la cual encuadraríamos la vida de Isabel en su casa con su “chacha” y madre, que, a su vez, podría dividirse en tres partes:
1-La presentación de la “chacha” y madre y la importancia de ambas en la vida de Isabel. (Debido a que son las únicas dos personas de importancia que tiene en su vida ya que es una “vieja” solterona).
2-El apoyo y felicidad de su madre al ver que Isabel asienta la cabeza con Juan (Debido a que pensaba que nunca encontraría a un hombre que la quisiera y estuviera con ella, por lo que goza viéndoles juntos y viendo a su hija tan feliz).
3-La posterior desconfianza de la misma, que finalmente desembocaría en la cruda realidad (Isabel siempre le decía que le quería, mientras que Juan por no hacerla daño no se atrevía a decírselo).
En cuanto a la segunda subtrama, nos centraríamos en la vida de los amigos de Juan y de la manera en la que se regocijan de Isabel; esta subtrama, la dividiríamos de nuevo, en tres partes:
1-La presentación de los amigos (como ya he nombrado en la trama principal)
2-La revelación de uno de ellos al ver el daño que están causando a Isabel (Y con ello, el intento de convicción a Juan de que la diga la verdad).
3-El momento desenlace en el cual Isabel entra en la sala de baile y el amigo de Juan la explica toda la verdad y la invita a subir a su tren.

3. ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL TEXTO FÍLMICO:
Códigos visuales
“Calle Mayor” está rodada en cinco escenarios principales: la Calle Mayor (donde transcurren casi todas las acciones de la película), el bar Miami (en el que suelen estar los amigos de Juan jugando al billar y gastando bromas), el café de baile (en el cual Juan se hospeda y tiene una amistad muy profunda con la camarera o dueña), la casa de Juan (donde podemos observar su modo de vida, así como sus pensamientos y sentimientos en sus acciones) y la casa de Isabel (donde viven Isabel, la “chacha” que la sirve y aconseja y su madre, personas muy importantes en su vida). Pero también podemos destacar otros escenarios secundarios, como son la estación de tren (que tendrá un papel fundamental sobre todo al final de la película), la biblioteca (en la que conversan Juan y su amigo), el portal de Isabel (donde se dan su primer beso), el bosque (donde viven varios momentos románticos), la plaza de toros y el cuartel en obras (donde Isabel planea emocionada su futura casa), el rio (donde se da el primer contacto entre ambos, cuando ella le cuenta sus penas y delirios en el amor) y, por último, la habitación de Isabel que, aunque forma parte de su casa, se plantea como un escenario aparte en el que ella demuestra su ilusión probándose vestidos, maquillándose, mirándose en el espejo emocionada, bailando, saltando en la cama o sonriendo.
En la película se han empleado diversos planos entre los que reina el plano medio, plano general, pero sobre todo, plano contraplano (entre otros). Ya desde el inicio del film se emplea un plano panorámico que nos encuadra en la historia dando comienzo a la misma. En esta primera escena aparece un coche (para lo cual se emplea un plano general) y se arroja un ataúd; posteriormente se enfoca a un hombre en la ventana, utilizando un plano picado. Esta escena daría paso al billar donde se hallan Juan y sus amigos y después a la biblioteca, donde dos hombres conversan, y donde se utiliza un plano medio así como gran cantidad de planos contraplanos según va transcurriendo la conversación; en alguna ocasión, podemos percibir planos americanos que nos aportan más expresividad que el plano general. También se utiliza esta técnica (tanto planos medios, americanos y generales) en las escenas de paseo por la Calle Mayor así como en el momento en el que los amigotes ríen disponiéndose a entrar al Bar Miami, la escena en la cual un hombre borracho comienza golpear el piano, el momento en el que una pareja baila en el café, en el momento en el cual Isabel y Juan están en el campo y conversan (van pasando progresivamente dichos planos). En los momentos de conversación se emplean planos contraplanos, como puede ser el campo, la biblioteca, la Calle Mayor… pero también cabe destacar que en los momentos de billar, siempre se suelen emplear planos medios, excepto en alguna ocasión que se pasa a un primer plano. De primeros planos también hablamos en los momentos en los cuales se pretende expresar y enfatizar los pensamientos y sentimientos del personaje enfocando con gran nitidez su rostro; se emplean primeros planos casi siempre, con Isabel, ya que pretende hacernos ver cómo se siente con todo lo que está ocurriendo, obviamente, caracterizado por una gran subjetividad; cabe destacar momentos como la escena en la que se mira al espejo sonriente, el momento en el que ríe tras haberse despedido de Juan y haberle besado, la situación en la que se encuentra y lo demuestra, por ejemplo, sonriendo tumbada en la cama, los momentos en los que se prueba los vestidos y la cámara enfoca a su cara para enfatizar su ilusión, entre otros. Pero a pesar de que la mayoría de primeros y primerísimos primeros planos se empleen con Isabel, también hay otros que no la afectan, tales como los primeros planos de Tonia cuando conversa con Juan en el café, destacando el momento en el cual se enfada por el engaño que le están haciendo a Isabel (en ese caso también se utilizan planos medios y americanos), la cara y con ello, expresividad que nos demuestra Juan en numerosas ocasiones al ver la ilusión que derrocha Isabel y sentirse cada vez peor, como el momento en el que se tumba en la cama arrepentido, el momento en el que Isabel planea su casa de enamorados, o cuando conversa con su amigo Francisco que le aconseja acabar con todo cuanto antes.
En cuanto a las angulaciones es digno de decir que hay un plano cuya angulación es contrapicada muy importante en la película; se da en el momento en el que Isabel grita al hoyo que hay en su futura casa en obras, no es perpendicular al techo, pero poco le falta.
Y, por último en cuanto a planos se refiere, es necesario hablar del final de la película; del momento en el que Isabel se entera de la realidad. Quizá sea este el momento más emotivo y emocionante de la película, y esto, no solo es debido al sonido (que cobra gran importancia), también lo es gracias al plano que emplea, un primer plano que en cierto momento pasa a ser un primerísimo primer plano en el que se enfocan las partes más significativas de su cara con la intención de mostrar al espectador su dolor, tristeza y desolación.
El film, rodado en blanco y negro, intenta mostrarnos los diversos aspectos de la vida en los años 50, y sobre todo, los extremos que hay en la forma de ser de unos personajes y otros. Los diálogos de los mismos son claros y rotundos y emplean gestos que los enfatizan mostrándose así, más las diferencias existentes entre ellos.
Los colores de la película son, como ya he dicho, blanco y negro; como ya sabemos, el cine en color comenzó años atrás, concretamente a mediados de los años treinta, por lo que la intención es hacernos ver, incluso en nuestros días, la tristeza y desolación en la que España estaba sumida en esa época. E incluso realiza funciones imprescindibles como enfatizar la sobriedad o crueldad que rondaba por la sociedad española.
En cuanto al vestuario de los personajes, decir que, no existe demasiado contraste entre ellos, debido a que están vestidos conforme a la época y casi todos, (por no decir todos) pertenecen a una clase social media en la época, de lo que nos damos cuenta al observar sus costumbres y modos de vida. Los amigos pasan la vida en el bar jugando al billar, y tanto Isabel como Juan tienen una buena casa. Además, se hace necesario destacar la ayuda que reciben Isabel y su madre en casa con la “chacha” que vive con ellas (esto sería un dato a destacar debido a que en esa época de penurias se hacía muy complicado tener una asistenta).
Podríamos recalcar la función que realizan las gabardinas que visten casi todos los personajes, en especial Juan, a lo largo de la película. Y, en cuanto a Isabel, su vestuario es muy variado pero monótono, aun así, predominan las boinas y sombreros.
Por último, señalar que la luz juega un papel fundamental en el filme ya que nos muestra, por un lado, la agilidad y día a día así como las costumbres de los madrileños de la época y por otro lado, la oscuridad y arrepentimiento, así como las mofas y regocijos de los amigos, acentuando más aún si cabe, la crueldad y desprecio de los mismos.
Códigos sonoros
Si algo puede destacarse de “Calle Mayor” es su banda sonora. Con esta película se crea una tendencia que predominaría durante toda la década, caracterizada por el empleo paulatino de la música, es decir, el filme comienza con una ausencia muy destacada de música, pero conforme este va avanzando, la música va jugando un papel cada vez más importante, enfatizando escenas en paisajes, o incluso transiciones que aligeran la narración fílmica.
Podríamos decir que a partir de la segunda mitad de la película tanto la música como los silencios y transiciones están muy bien distribuidos, señalando la última escena en la cual se utiliza una música misteriosa que aporta cierta intriga y que, inconscientemente, hace que el espectador no pueda despegar los ojos de la pantalla.
Por último nombrar a los productores de la banda sonora: Joseph Kosma e Isidro B.M. sin duda dos artistas en toda regla.

Códigos sintácticos
En cuanto a los signos de puntuación de la narración fílmica, destacar que, la transición más utilizada son los fundidos en negro, quizá alguna cortinilla, pero resalto los fundidos en negro ya que se emplean en numerosas ocasiones; sin ir más lejos, uno de ellos da comienzo a la película, iniciado a su vez con voz en off e impresionando un plano panorámico que nos introduce en la historia. Otro fundido en negro se da en la escena en el campo en la cual Isabel y Juan conversan sobre cine y finaliza cuando se van alejando, pasando de un plano medio a un plano americano, y de ahí, a un plano general. También observamos un fundido en negro unido a un plano contrapicado cuya intención no va más allá que hacernos ver el cargo de conciencia que tiene Juan, al salir del bar y discutir con sus amigos del tema. Otro de los numerosos fundidos en negro del filme se da en uno de los momentos más cruciales de este. Es el momento en el cual Juan e Isabel están en el portal de ella y se despiden con un beso; él se va y ella se queda apoyada en la puerta con gesto de felicidad; esto, culmina con un fundido en negro que daría paso al café en el que entra Juan tras haber pasado la tarde con Isabel y donde habla con Tonia; ella le aconseja y la escena termina con un fundido en negro muy lento.
Se emplea también un elipsis en la escena en la que dan las campanadas y se hace de día, pudiendo observar a la gente paseando por la Calle Mayor como un día cualquiera.
Cabe señalar una acción paralela totalmente contraria que se da en el momento en el cual Isabel está en la cama feliz y sonriente, mientras que Juan está en la suya tumbado y mostrando las penurias y sufrimiento por el que está pasando.
En cuanto a las secuencias, su duración es muy variable pero no son largas y en ellas se plantea muy bien la trama en la cual se quiere introducir al espectador. Su ritmo suele ser rápido y constante y casi todas transcurren de la misma manera o similar.
El relato está muy bien estructurado y de una forma muy clara y concisa, desde el primer momento de presentación pasando por el engaño o farsa y culminando con el desengaño y realidad. El montaje es muy sencillo y se emplean efectos que ayudan a aligerar los momentos de transición intentando eliminar las partes que carecen de importancia.
4. ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO:
a) Enunciación y punto de vista
La narración de la historia es personal o intradiegética, (ya que el narrador interviene en el relato), al principio se emplea la voz en off que da comienzo a la historia. A pesar de ello, cabe decir que, salvo al inicio de la película no existe otra narración que el diálogo establecido entre cada uno de los personajes.
La película, y con ello la enseñanza, va dirigida al espectador, a la persona que está detrás de la pantalla intentando comprender la historia y, sobre todo, aprendiendo de ella.
b) El tiempo cinematográfico
“Calle Mayor” es un relato singulativo cuyo orden de la narrativo es lineal, debido a que los acontecimientos se desarrollan cronológicamente. Destacamos la ausencia de flashback y flashforwards, aún así si que destacamos algún elípsis como el que ya he nombrado del momento en el que dan las campanadas y va amaneciendo, entrando en la mañana y observando a la gente paseando por la Calle Mayor viviendo su día a día.
c) Estructura del relato
Se hace necesario decir que, de manera similar a todas las películas dotadas de un cierto punto de suspense e intriga, la intensidad narrativa a la que se ciñe la película va aumentando paulatinamente, en este caso, conforme la farsa va haciéndose cada vez más y más grande.
En cuanto a las subtramas, van evolucionando de la misma manera que la trama principal aunque cada una de una manera propia y diferente. (ya que no podemos comparar el comportamiento de los “amigotes” con el que desarrolla Isabel a lo largo de la película).
d) Personajes y escenarios existentes
En cuanto a los personajes de la película cabe destacar su diferencia, y no precisamente en su condición social, sino sobre todo en cuanto a carácter y forma de ser y pensar.
Es muy importante la función que desempeña cada uno de ellos en el transcurso de la historia, por lo que comenzare por la actitud que adquieren los 4 amigotes que maquinan la macabra broma contra una solterona ya mayor e infeliz llamada Isabel. Isabel, a su vez, adquiere un papel contrario al de los cuatro amigos. Ella es sincera y apasionada, de carácter alegre y emotivo. Pero si algo podemos destacar de ella es su inocencia e ingenuidad que adoptará en el momento en el que Juan le declare su falso amor. Juan es un hombre tranquilo pero muy amigo de sus amigos; su papel en la historia es imprescindible ya que es el peón que lleva a cabo la ejecución de dicha broma y que conforme el tiempo transcurre, se va sintiendo más culpable.
Hemos hablado ya de los personajes principales en la trama, pero también podríamos señalar la importancia de la “chacha” en la vida de Isabel o la amiga y casera de Juan, Tonia, con quien mantiene una relación muy cordial de amistad. O incluso Federico, amigo de Juan, quien finalmente le aconseja que acabe con el engaño a Isabel.
Una vez hemos nombrado a los personajes más relevantes de la película, procederemos a nombrar los escenarios y a describirlos brevemente; me limitaré solo a ello porque ya anteriormente (concretamente en ‘códigos visuales’) los expliqué con exactitud:
Toman gran importancia la estación de tren, tanto al principio como al final, el bar Miami en el cual los amigotes maquinan sus bromas y apuestas y donde juegan al billar, la Calle Mayor,en la cual transcurren la mayoría de las acciones del filme, el café baile donde Juan se hospeda y guarda una estrecha relación con Tonia, su casera; la casa de Juan, donde podemos observar su forma de vida, la casa de Isabel en la que viven ella, su madre y la “chacha” (aquí encuadraríamos tanto el portal de Isabel como su propia habitación), la biblioteca en la cual se dan varias escenas, el campo donde Isabel y Juan conversan en diversas ocasiones, el río, y por último, la plaza de toros y el cuartel en obras donde planean su futura casa de “enamorados”.
Todos estos escenarios nos aportan un amplio reflejo de lo que era la sociedad, cultura e ideología de la época de la posguerra y franquismo en nuestro país, queriendo con esto (y lo recalco en varias ocasiones ya que lo creo de gran relevancia) aportarnos una enseñanza didáctica moral.
5. TEMÁTICA:
El tema principal y predominante (y no solo en la película, también en muchas de las obras artísticas de J.A. Bardem) es la aportación de una visión de los años 50 en España muy realista, desde un punto de vista objetivo queriendo con ello mostrarnos todos los aspectos de la vida de unos personajes elegidos “al azar” que no tienen nada de especial, pero que a su vez, hacen de la película algo especial precisamente por eso, por la intención que se tiene de mostrar el día a día de personas normales de la época.
Como ya he dicho, la función principal que desempeña la película es aportarnos una enseñanza moral combinando diversos temas que se funden en uno principal: LA SOCIEDAD ESPAÑOLA EN LOS AÑOS 50.
A su vez, la película se centra no solo en el hombre sino también en el ámbito social (política, cultura, ideología…). Los temas presentes en el relato se articulan principalmente en torno a un conflicto central de carácter dramático (engaño de Juan hacia Isabel) así como una sucesión muy fluida y clara de los hechos, unos personajes “tipo”, es decir, personajes que representan a la perfección la vida y costumbres de la época, a unos diálogos caracterizados por el uso de expresiones populares y para nada ajustados a ningún modelo, a unos escenarios perfectamente adecuados conforme al mensaje que se quiere transmitir a través de ellos (bar, baile, campo, tren…) así como el final que es, definitivamente, concluyente y caracterizado por su sobriedad y concisión.
Por último y en cuanto a temática, me gustaría comentar la dimensión que abarca el tema en esta película. Como ya he dicho, nos muestra la represión de la España de los años 50 por lo que nos encontramos en un contexto histórico caracterizado por su objetivismo y, con ello, realismo.
6. INTERPRETACIÓN INTERSUBJETIVA (hermeneútica, crítica de un film):
La fama y reconocimiento que a J.A.Bardem se le atribuye no es solo por esta película. Lo que si es cierto es que “Calle Mayor” no solo supuso un éxito para él y su propia carrera profesional, sino que además es considerada uno de los clásicos del cine Español, concretamente situada en una de las 10 mejores películas de todos los tiempos en nuestro país y entre las 50 mejores películas de la historia a nivel mundial.
Es digno de destacar que Juan Antonio Bardem comenzó a dirigir sus películas en el año 1953, y tan solo tres años después, estrenaría Calle Mayor. Otras películas muy próximas y de la época, las cuales hicieron que adquiriera más reconocimiento si cabe, son “Muerte de un ciclista” o “venganza”. Además, J.A.Bardem siempre estuvo muy ligado a Luis García Berlanga, con quien mantenía una estrecha relación de amistad e incluso llegó a realizar varias película dirigidas por este llamada “Paseo por una guerra antigua” o “Esa pareja feliz”. Ahora bien, las obras de Bardem se caracterizan principalmente por el uso que emplea de la realidad, por el objetivismo y por decirlo de alguna manera, “su poca vergüenza” (y digo esto, refiriéndome al hecho de que tuvo grandes problemas con la censura en nuestro país ya que no se cortaba al hablar de lo que tenía que hablar y demostrarlo).
“Calle Mayor” es una película en la que no se emplean efectos especiales, y si se ha introducido alguno, son mínimos. Cabe destacar sobre esto que, estamos hablando de los años 50, que aunque el cine ya había adoptado grandes avances y transformaciones, no podemos exigir lo que vemos en nuestras pantallas hoy en día. A pesar de ello, creo que es justo eso lo que le da un toque especial a la película ya que, al estar acostumbrados a ver siempre lo “comercial” y de repente ver una película así, causa en nosotros una reacción completamente diferente pero no por ello menos interesante.
En cuanto a los personajes, realizan muy bien su papel y ejercen una función imprescindible sobre el espectador ya que transmiten un mensaje de manera clara y directa (esto por un lado es bueno, pero por otro es malo ya que muchas veces no es necesario que nos lo den todo hecho sino utilizar nuestra propia imaginación o sentido común para saberlo). Transmiten una idea de represión, de desengaño y frustración ante la jerarquía social y vida que les ha tocado vivir en la época (como ya he dicho, años 50).
“Calle Mayor” fue una de las primeras películas dirigidas por J.A.Bardem, sin embargo una larga lista la seguiría, en algunas ocasiones hasta superándose a sí mismo.
En mi opinión, esta película, y curiosamente alguna otra de J.A.Bardem, me ha hecho darme cuenta de mi ignorancia y no solo cinematográfica, sino también histórica ya que la principal intención es transmitirnos un mensaje o enseñanza moral de las circunstancias de la época y quizá creía saber más de lo que realmente sé dándome cuenta de que siempre puedes encontrar cosas más maravillosas de las que crees, valorando en mayor medida el tiempo en el que vivimos y la suerte que tenemos con ello.
Finalmente, apuntar que esta película se la recomiendo a toda persona, y no porque personalmente me haya gustado, sino porque me parece que nos proporciona un perfecto reflejo de las circunstancias de la posguerra y de la manera en la que afectaba esto a las personas.
Definitivamente, J.A.Bardem ha vuelto a sorprendernos con otra de sus fabulosas obras de arte que perdurarán por mucho tiempo y esperemos, se considere un clásico igual que hoy, siempre.

MUVIES: XIV Muestra de vídeos escolares de la Comunidad de Madrid

2011-12-10T09:10:00.000-08:00

La finalidad de MUVIES es crear un lugar y un momento en los que socializar y valorar las producciones audiovisuales realizadas en los centros escolares por los jóvenes de la Comunidad de Madrid.

DESTINATARIOS
Pueden participar jóvenes, entre 12 y 21 años, que representen a centros educativos de la Comunidad de Madrid.

SECCIONES DE LA MUESTRA
Las obras que se presenten deberán pertenecer a alguna de las siguientes secciones: Documentales, Ficción, Animación , Vídeo/TV (telediarios, publicidad, parodias y/o manipulaciones de programas televisivos), Videos musicales, Videocreación (productos derivados de la experimentación y búsqueda del lenguaje audiovisual).

CONDICIONES TÉCNICAS
Las obras se presentaran en formato DVD o AVI. Cada obra deberá presentarse en un solo disco DVD. La duración máxima de cada vídeo será de 15 mn, incluidos los títulos de cabecera y final. Cada trabajo deberá llevar una etiqueta con el nombre de la obra, duración y centro al que pertenece. Las obras presentadas deberán ser copias, no originales.

INSCRIPCIÓN Y PLAZO
Los grupos interesados deberán registrar su trabajo en línea rellenando el formulario y enviar su obra al IES García Morato (C/ General Saliquet s/n Madrid 28044), antes del 1 de febrero de 2012. Junto con cada obra se deberá presentar también la ficha de inscripción correspondiente.

"LA VENTANA INDISCRETA"(1954) de Alfred Hitchcock. Por Francisco Javier García Vázquez

2011-09-19T12:16:00.000-07:00

1) RECOGIDA DE DATOS (contexto de producción y ficha técnico artística)

“La ventana indiscreta”, una de las películas más célebres del director inglés Alfred Hitchcock, es aclamada hoy en día tanto por la crítica como el público, no sólo por ser un entretenido film de intriga, si no por repensar el papel del espectador en una narración cinematográfica.
Basada en un relato de Cornel Woolrich -e inspirada por los asesinatos de Patrick Mahon y el caso del Dr.Crippen- el director inglés contó para el desarrollo del sólido guión con la colaboración de John Michael Hayes con el que trabajaría en varias ocasiones más como en “Atrapa un ladrón” (1955) o “El hombre que sabía demasiado”(1956), también dos películas imprescindibles dentro de su larga filmografía.

Hitchcock, que había trabajado los años anteriores con la Warner Brothers, tuvo más libertad con los estudios de la Paramount ya que le permitió, siempre dispuesto a superar retos, crear un patio de vecinos en un plató de proporciones descomunales.
Al igual que sus anteriores filmes, se trata de una película de suspense-en donde un hombre corriente se ve involucrado en un asunto turbio debido a su imparable curiosidad.

Esta misma historia sería adaptada de nuevo para la televisión en 1998 por el director Jeff Bleckner , con un reparto encabezado por el malogrado Christopher Reeve y Daryl Hanna, aunque con resultados claramente menos satisfactorios.

Productora: ParamountAño y país: EEUU 1960
Director: A. Hitchcock
Escritores: John Michael Hayes (basada en la narración “Rear Window” de Cornel Woolrich)

Montador: Gerge tomasini
Música: Franz Waxman
Año de estreno: 1 de agosto de 1954

Intérpretes :

L. B. Jefferies - James Stewart
Lisa Carol -Grace Kelly
Thomas J. Doyle - Wendell Corey
Stella - Thelma Ritter
Lars Thorwald -Raymond Burr

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

2) RECONSTRUCCIÓN DEL TEXTO FÍLMICO
(sinopsis argumental y segmentación)
L. B. Jefferies , fotógrafo profesional, ha sufrido un accidente lo que le obliga a estar recluido en su apartamento. Aburrido por esta circunstancia comienza a espiar a sus vecinos del patio comunal. Pronto sospechará que uno de ellos puede ser un asesino.

En cuanto a la segmentación dividiremos la película en tres partes:
1) La presentación de L. B. Jefferies, de su prometida y de su entorno
2) La sospecha sobre Lars Thorwald
3) El esclarecimiento del crimen

Paralelamente podríamos hablar de una subtrama, que sería la historia sentimental, también con tres partes:

1)Presentación de Lisa Carol -pero con la resistencia de L. B. Jefferies de comprometerse seriamente.
2) La crisis sentimental entre la pareja
3) La recuperación de la confianza por parte de ambos tras la resolución del caso

3) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL TEXTO FÍLMICO

Códigos visuales
“La ventana indiscreta” está rodada prácticamente en dos escenarios, la comunidad de vecinos y el apartamento del protagonista.
La película muestra - a través de lo que permiten las ventanas del bloque - parcelas de la vida de los protagonistas, hasta el punto de que parecieran ser pequeñas películas mudas en las que a pesar de la ausencia del diálogo podemos reconstruir la existencia de esos personajes con mayor o menor grado de error.

El film, rodado en Technicolor, muestra un vecindario de clase media, un patio de diseño regular de donde solamente destaca el anexo de la casa de la bailarina y de la escultora. Digamos que son dos versos sueltos en esa colmena homogénea.

Los colores de la película muestran un cromatismo urbano de clave baja. Incluso el apartamento de Jefferies no destaca por la viveza de colores. Al contrario, es el piso sobrio y desaliñado de un soltero empedernido.
Hay que valorar la acertada elección de la diseñadora de vestuario-Edith Head- ya que los atuendos añaden información a la personalidad de los personajes.

El pijama que viste Jefferies le retrata como un hombre casero, apegado a unas costumbres a las que no quiere renunciar y dedicado por completo a su trabajo de fotógrafo profesional.
En contraste Lisa -antítesis de su prometido- se muestra como una mujer elegante y glamorosa, haciendo gala de los modelos que compra para seducirle.
El resto de los figurantes se muestran con el vestuario que , de alguna manera, definen su estrato social

En cuanto a la luz, el día y la noche muestran dos mundos diferentes.
El día muestra un vecindario vivo, movido, que despierta cada mañana con sus sus rutinas. En la noche suceden los momentos más sórdidos de la película, los más terribles y siniestros, tal como podemos ver en la triste secuencia del perrito o en la desconsolada historia de “corazón solitario”.

Códigos sonoros

Se combina la música no diegética-la banda sonora que Franz Waxman produjo para la película y que subraya los momentos dramáticos con los sentimentales- con la diegética, audible por ejemplo en la música que acompaña a la bailarina y en la composición del joven protagonista.

Códigos sintácticos
Como se ha dicho antes, la película delata ciertos momentos deudores del cine mudo; no olvidemos que Alfred Hitchcock comenzó su carrera en la época del cine silente y siempre que podía evitaba los diálogos superfluos.
Como ejemplo podríamos hablar de la presentación del personaje principal, en la que un plano secuencia sin diálogo ni voz en off alguna muestra quién es, qué le ha pasado, a qué se dedica , dónde vive y la temperatura que hace.

Pero si en algo se caracteriza la soga es en el uso del efecto Koulechov…

Efectivamente, los primeros planos del protagonista se intercalan con planos generales que el espectador codifica en una relación causa y efecto. Véase las expresiones neutras de la cara de James Stewart intercalada con los planos de la bailarina o de corazón solitario.El espectador deduce, o intenta deducir, sus pensamientos a través de ellas.

4) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO

a) Enunciación y punto de vista

El narrador es impersonal o extradiegético, no participa en la historia. No es omnisciente, ya que el desconocemos la auténtica realidad que se esconde tras las ventanas
b) El tiempo cinematográfico

El orden es lineal ya que los acontecimientos se desarrollan cronológicamente. No hay Flashbacks, ni flashforwards, aunque sí lógicamente elipsis para no narrar los tiempos muertos.

c) Estructura del relato

Como en toda película de suspense que se precie, la intensidad narrativa de la trama principal aumenta en progreso, casi como el calor que sufre el protagonista por la canícula que asola la ciudad.
En cuanto a la subtrama sentimental también se puede decir lo mismo, ya que evoluciona o progresa a lo largo del metraje de la película, aunque a su vez sirve de anticlímax a la apasionante historia de suspense.

La estructura se divide entre el apartamento del protagonista y el patio de vecinos, complementándose el uno con el otro.

d) Existentes (personajes y escenarios)

La película incorpora personajes de diferentes edades y condición social, creando un microcosmos, un pequeño mundo con sus bondades y sus vilezas.
Es notable la diferencia de edad entre la pareja protagonista, lo que lógicamente conlleva visiones y expectativas diferentes de la vida:

-El fotógrafo acomodado a su vida apacible y hogareña, donde el único margen de aventura es su propio trabajo.

-Lisa , al margen de sus intereses en el mundo de la moda, busca sin embargo completar su vida casándose con el protagonista, lo que parece en principio su único objetivo.

De hecho parece que ella teje de modo sibilino una telaraña alrededor de él con el único objetivo de atraparle.
Sólo la valentía que ella muestra en el último tercio de la película parece que es el detonante que permite al personaje interpretado por James Stewart ver a esta mujer de otro modo, más allá del de la cursi y frívola aspirante a esposa obediente y fiel.
Se debe decir aquí que es un retrato un tanto misógino debido, o bien a la época en que la película fue realizada, o bien a la ideología del director en cuanto al matrimonio.
Por otra parte contamos con personajes que, pese a su humildad o precisamente por ella, tienen los pies en la tierra, como es el caso de la criada y también con personajes que materializan el futuro que no quiere el protagonista para él, como es el caso del policía amigo del protagonista.

5) ANÁLISIS DE LA TEMÁTICA

La deshumanización de las grandes ciudades conlleva a la indeferencia ante la vida de nuestros vecinos.
Vivimos en colmenas aisladas en las que sólo compartimos los tabiques que a su vez nos separan.
De ahí que la vecina que ha perdido el perro reproche con crudeza a sus vecinos la frialdad en las relaciones humanas. Es un grito desesperado que transciende a los personajes de esta narración y llega al ser humano que esconde todo espectador.

Ahora bien , debemos hacer un punto y aparte con la actitud de Jefferies

Quizá sea reprobable la curiosidad casi malsana del fotógrafo en espiar de manera compulsiva a sus vecinos. Quizá en ese voyeurismo queda representado el aburrimiento que le embarga y del cual ni siquiera su atractiva prometida puede sacarle.Pero:

¿ Acaso no nos identificamos plenamente con él?
¿No somos tan culpables como él al no poder apartar la vista de los trozos de vida que nos muestran las ventanas abiertas?
¿Qué es el visionado de películas si no entrometernos en vidas ajenas en las que poco podemos hacer excepto compadecernos de sus miserias o alegrarnos de su fortuna?
Lo que redime al personaje de James Stewart es, por que tiene la ocasión y la aprovecha, el enfrentamiento ( a su pesar) con el peligroso asesino y resolver el crimen cometido.

6) INTERPRETACIÓN INTERSUBJETIVA (hermeneútica, crítica de un film)

Realmente esta película no va a suponer por si sola el reconocimiento de Alfred Hitchcock en la historia del cine.
Ya antes- durante décadas- había mostrado su valía cinematográfica, con lo que este film asienta lo que ya se sabía: que el director inglés era un maestro raramente igualado por sus contemporáneos tanto en la artesanía como en la autoría cinematográfica.

Al igual que en otras películas en las que minimizaba al máximo la puesta en escena,( “ Naúfragos”(1944),” La soga”(1948), Hitchcock logró sacar a su vez el mejor partido de ella.
¿Qué decir, por ejemplo, de la utilización de los flashes de la cámara del protagonista con los que se defiende del criminal acosador?

En unos momentos donde el alarde de efectos especiales parece ser el valor sustancial de muchas producciones,”La ventana indiscreta” está resuelta con una aparente sencillez.
No es una película efectista o con obvios alardes visuales. El valor reside en un guión bien armado y en una puesta en escena sobria pero original.
Qué decir de los protagonistas. James Stewart trasciende el papel de hombre bueno al que le había encasillado la industria cinematográfica, para revelarse como un personaje ambiguo y con dobleces.
Grace Kelly, futura princesa de Mónaco, cumple con solvencia su papel, con una interpretación austera pero eficaz
Thelma Ritter, la gruñona sirvienta, papel que tantas veces encarnaría en otras películas, encarna un personaje secundario, pero dotándolo de humanidad y realismo.

Es difícil creer que Hitchcock, que en el momento del rodaje rozaba los sesenta años y ya acumulaba una larga lista de películas en su haber, no tratara de repetir la fórmula de tantos éxitos anteriores.

No lo hizo.

Intentó de nuevo sorprender al espectador dando una vez más una brillante lección de buen cine.

ANÁLISIS DE UN CÓMIC por Francisco Javier García Vázquez

2011-05-02T11:37:00.000-07:00

DON PÍO de José Peñarroya-Historieta publicada en 1964

1) RECOGIDA DE DATOS
Sin duda alguna uno de los más afamados y veteranos dibujantes de la editorial Bruguera fue José Peñarroya, creador de personajes como “Gordito Relleno”, “Don Berrinche “ o “Pitagorín”.
Colaborador habitual de las revistas”Pulgarcito” y “DDT”, este dibujante alicantino- bajo la férrea censura franquista- tuvo que lidiar con la difícil tarea de alegrar a las generaciones de la posguerra retratando a la clase media española y sus vicisitudes como es el caso de “Don Pío”, personaje que ahora nos ocupa.
La historieta fue publicada en el año 1964, aunque el personaje ya había sido creado en 1947, y fue dibujado prácticamente hasta la muerte de su creador. Por lo tanto el personaje fue evolucionando tanto gráfica como socialmente a medida que lo hacía el resto de la clase social a la que pertenecía.
En este caso concreto la página que se va a analizar fue publicada en la época en que la sociedad española estaba inmersa en el llamado desarrollismo o despegue económico (mediados de los 60) aunque ideológicamente el régimen demostrara apenas aperturismo.
Don Pío sigue la estela de otros dibujantes de la editorial Bruguera cuyos personajes encarnaban los anhelos de una sociedad con sus deseos y sus retos que prontamente eran cercenados, o bien por su culpa o bien por elementos externos y que tenía como consecuencia que sus andanzas acabaran la mayor parte de las veces lejos de los finales felices.
2) RECONSTRUCCIÓN (sinopsis argumental y segmentación)
“Don Pío”, protagonista de la historieta, llega sistemáticamente tarde al trabajo debido a que tiene el despertador estropeado. Con la necesidad imperante de comprarse otro hace acopio de valor y pide un adelanto a su jefe.
Tras serle concedido, le encarga a su mujer que adquiera un nuevo despertador pero ella se lo gasta en un capricho particular.
La historieta se puede segmentar del siguiente modo.
-Desde que sale apresuradamente de casa hasta que llega a la oficina
-La solicitud del adelanto al jefe.
-El encargo de la compra a su mujer
-La sorpresa final

3) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DE LA NARRACIÓN GRÁFICA
Códigos visuales (líneas,grafismos y bocadillos)
El estilo de peñarroya es lineal e ingénuo, no tratando de ser en ningun momento virtuoso o hiperrealista, todo en aras de hacer la narración más cómica y no perdiendo de vista al potencial público lector, el infantil.
Las formas redondeadas contribuyen sin duda a esta candidez en los dibujos y concretamente en el matrimonio retratado.
Contrástese ésto con la nariz grande y aguileña del jefe, rasgo de dureza y asociado generalmente con el poder y el dinero.
Las líneas son escasas, pretendiendo ante todo la claridad gráfica.Por ejemplo, las sombras (propias y arrojadas) son inexistentes, ya que en este tipo de narración no tienen ningún tipo de utilidad expresiva, como podrñian tenerlas en cómics de superhéroes o de aventuras.
Se utilizan grafismos cinéticos, tales como líneas y espirales cuando los personajes corren, e incluso grafismos identificativos y convencionales- como el símbolo del dolar –aunque, como es de supone,r los billetes tengan valor de pesetas
Los bocadillos están escritos con máquina de escribir,práctica habitual a partir de los años 60, lo que si por una parte aporta claridad en el texto, por otra parte también resta calidez a las palabras, uniformizándolas y enfriándolas en exceso.

Códigos sonoros (onomatopeyas)
En este caso las onomatopeyas son mínimas. Tan sólo cuando la mujer imita el sonido del despertador o cuando duerme- con las consabidas zetas -el autor utiliza este recurso.
Códigos sintácticos

Así como ahora es habitual la utilización de recursos cinematográficos en el cómic actual, Peñarroya opta por un estilo más vinculado al cómic tradicional o clásico. Se diría que no está muy lejos de la disposición teatral en cuanto a los planos que utiliza para ubicar a los personajes.

Sí que utiliza las elipsis, lógicamente para no dibujar los momentos muertos, e incluso el “gag” final se basa precisamente en no mostrar todo lo que ha sucedido con las compras de Benita, la mujer de Don Pío.

4) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO
a) Enunciación y punto de vista
El relato está contado en tercera persona aunque el narrador no utiliza la omnipresencia, ya que desbarataría el “gag” final que tiene reservado al lector.
b) El tiempo
La historieta se desarrolla en tiempo presente aunque con las elipsis antes comentadas para ceñirse a la hoja que el dibujante tenía asignada en la publicación.
c) Estructura del relato
El relato se estructura en torno a los momentos en que Don Pío sale apresuradamente de su casa. Obsérvese que tiene una estructura circular pues el final de la historia es prácticamente idéntica a la primera viñeta, mostrándonos de este modo que los agobios del protagonista no han cesado a pesar de sus esforzados intentos.
d) Existentes (personajes y escenarios)
Peñarroya reduce al máximo los personajes, intentando insertar sólo a aquellos que tienen importancia en la narración. Sólo en una viñeta introduce un sorprendido viandante con una finalidad única de ambientación.
Los escenarios se limitan a los interiores de la casa del protagonista, a su oficina y a la calle como recorrido entre la primera y la segunda.
En todos los casos sólo introduce los elementos necesarios para la correcta identificación de los lugares: cama, lámparas mesa de oficinista y unos edificios apenas esbozados
5) ANÁLISIS DE LA TEMÁTICA
La temática gira en torno a la escasez en la que vivían los españoles de la posguerra española y que los obligaba a realizar todo tipo de esfuerzos para sobrellevar el penoso día a día.
Evidentemente se da por su supuesto que las necesidades básicas estaban cubiertas en este caso: techo y comida (en parte por que la guerra civil ha quedado relativamente lejos cuando se dibuja esta página).No es el caso de otro recordado personaje dibujado por José Escobar-“Carpanta”- cuya situación es más paupérrima aún puesto que pertenece a una clase social diferente a la del matrimonio que nos ocupa.
Las relaciones laborales son vistas como leoninas y distantes; oficinistas que trabajan a destajo bajo la mirada de un despótico jefe que no les deja ni a sol ni a sombra.
Tan solamente basta con observar el gesto del jefe co-protagonista -ojos cerrados, cabeza alta y dedo en alto –para representar su psicología (por no hablar de su tacaño comportamiento).
Tal como se representa la situación laboral de la España de entonces, Don Pío es, para decirlo llanamente”el que trae el pan a casa” mientras que su mujer se ocupa de “sus labores”.
Sin embargo, y respetando el tópico de la época, Peñarroya deja ver que es la mujer la que realmente administra el dinero de la casa y la que subrepticiamente manda, aunque en este caso va más allá y Benita ”se lo administra” pues compra un suntuoso reloj para su uso particular , privando de este modo al marido del necesario despertador.
La última viñeta en este sentido es bastante reveladora del concepto sexista que se tenía por entonces, ya que mientras que el atribulado Don Pío sale de nuevo para dirigirse con presteza al trabajo, su mujer sigue descansando plácidamente en la cama, despreocupada y ajena totalmente a los desvelos de su marido, con lo que las relaciones matrimoniales quedan en entredicho con tan sólo esta imagen (aunque la relación de Benita con su marido es prácticamente igualmente de interesada en casi toda la serie)
6) INTERPRETACIÓN INTERSUBJETIVA
Aunque hoy en día percibamos en estos cómics aspectos políticamente incorrectos y chocantes para una visión más contemporánea, la verdad es que los historietistas de la época intentaban reflejar- con mayor o menor éxito y con las licencias propias del humor en mayor o menor grado exageradas -la sociedad de la época tal y como lo hacía también por otra parte los cineastas del cine realizado en el llamado desarrollismo español.
Tanto el lector como el espectador de cine asumían estos códigos y muy difícilmente se cuestionaba nada más.
Han sido los análisis posteriores al franquismo los que han escarbado y analizado estos ejemplos gráficos, que no dejan de ser documentos de la época y han corroborado sus tesis acerca de las relaciones sociales, económicas y matrimoniales de este periodo de la historia española.
Cómo se ha dicho anteriormente el ámbito de la oficina se expresa como un lugar irrespirable donde las relaciones laborales no se basan en la confianza y la normalidad. Al contrario, el jefe es incapaz de toda flexibilidad y trata a su acomplejado empleado con displicencia y suma arrogancia. En este sentido es de destacar la habilidad del dibujante-también guionista- para retratar psicológicamente en dos pinceladas a este personaje.
En el ámbito familiar, el matrimonio no está mucho mejor visto. Lo condicionan el ascenso social y las apariencias, no contemplando la empatía ni el cariño entre los dos miembros de la pareja, solamente el puro interés.

Millones de niños leyeron estos cómics con la mayor naturalidad entonces (quizá eran situaciones más o menos parecidas a las que vivían en casa) y aunque hoy en día también sabemos apreciar los valores de esta generación de estupendos humoristas-es evidente que en su haber está la portentosa capacidad gráfica- bien es cierto que sus obras transpiran los condicionamientos de la época que les tocó vivir y retratar.

7)BIBLIOGRAFIA
“Los Cómics del franquismo “–Vázquez de Parga, Salvador-Editorial Planeta. 1980
http://www.elchedigital.es/tebeos/la_editorial_bruguera_fabrica_de_tebeos-333.html

“QUÉ FUE DE BABY JANE” (1962) de Robert Aldrich por Alba Muñoz Celma

2011-03-12T03:36:00.000-08:00

“Qué fue de Baby Jane” (1962) de Robert Aldrich es una película de terror psicológico dado que, al analizar la trama (y teniendo en cuenta que no puede pertenecer a ningún otro tipo de terror porque no aparecen ni monstruos ni seres fantásticos) podemos observar que la intriga de la obra se debe a su carácter psicólogico; el avance del trato de Baby Jane (Bette Davis) hacia su hermana (Joan Crawford).
Terror psicológico que muestra un retrato amargo y macabro de la envidia y el rencor, sobre el sentimiento de culpa, el resentimiento, personalidades obsesivas y ancladas en el pasado ritmo intenso claustrofóbico excesivo y violencia mental enfermiza. Da miedo y provoca dolor lo que puede llegar a hacer y sentir un ser humano dentro de la cotidianeidad de sus 4 paredes, el maltrato emocional, los demonios y odios que habitan dentro de las personas y que salen en situaciones límite (como el personaje de Joan Crawford en el momento que se dispone a arrollar a su hermana con el coche y finalmente resulta herida ella) y que conducen a la enajenación. En esta película el terror proviene de los cercano… salvo por el giro final en el que Joan Crawford confiesa haber intentado atropellar a Baby Jane, momento que la redime un poco en su maldad y perversidad.
“Qué fue de Baby Jane” retrata ni más ni menos cómo la nefasta gestión de la carrera de los niños artistas y el éxito mal digerido puede destrozarles la vida, los estragos y peligros de la fama prematura y el posterior y mal llevado olvido y fracaso que te convierte en un juguetes roto y frustrado, así como los padres sin escrúpulos que hacen negocio de sus hijos. Es todo esto lo que conlleva a Baby Jane a convertirse en una mujer alcoholizada y enfermiza que basa su vida en el disfrute que le produce maltratar a su hermana y soñar con volver a la cima. Sí, esa es su única meta: volver a ser famosa.
No obstante, la película cae en el típico efectismo (tanto sonoro como visual) del marco de terror. Podemos basarnos en varios ejemplos, como el momento de la rata, tras el cual se muestra un plano cenital de Joan Crawford sumamente expresivo en el que no para de dar vueltas y girar sobre su silla de ruedas, como si de una alegoría entre una rata cualquier y ella se tratase; ambas están encerradas y desesperadas por huir.
Aparte, el efectismo se debe a planos en ocasiones poco estéticos que rozan el expresionismo, pero en los que encuentra una gran fuerza visual. Podemos destacar planos picados, muchos primeros planos (impactantes los de Joan Crawford y sus caras de horror), planos detalle, movimientos de cámara en busca de objetos… Por no hablar de la música, otra clara característica de este género. Las películas de terror no serían lo mismo sin sus bandas sonoras, las cuales incrementan el agobio y nerviosismo en el espectador. Claro ejemplo el de la secuencia del teléfono en la cual la cámara enfoca repetidas veces un plano fijo del teléfono sonando, y a Joan Crawford arriba, indecisa. Sin los golpes de música, los planos yendo y viniendo una y otra vez, realmente nos daríamos cuenta de que solo estamos viendo un teléfono sonar, un simple objeto que no resulta ninguna amenaza.
En cuanto al ritmo, he de decir que, a mi parecer, va subiendo en intensidad hasta resultar casi asfixiante. Los contrastes entre el exterior pacífico y feliz con el interior de la casa, la noche y el día, y la única barrera: las escaleras, las cuales parecen separar dos mundos. Todos estos factores producen una sensación en el espectador de verdadera incomodidad. Evidentemente el contraste se da gracias al montaje y al respectivo cambio del punto de vista de la narración.
En resumen, “Qué fue de Baby Jane” era en principio una obra de serie B, con no demasiado presupuesto que aprovechaba el morbo de enfrentar a dos grandes actrices que se odiaban. Pero el resultado fue el de una gran película (por momentos demasiado efectista) pero con dos grandes interpretaciones que han pasado a la historia, en concreto –y en mi opinión- la de la grandísima y maravillosa Bette Davis.

CINE Y LITERATURA :“LA NOCHE DEL CAZADOR" por Carla Sofía León

2011-01-22T09:35:00.000-08:00

Esta película no es más que una adaptación expresionista y en su mayoría poética de los cuentos de los hermanos Grimm, en la que se sitúan una pareja de tiernos e inocentes infantes, aludiendo al cuento de Hansel y Gretel, acosados por un ser perverso, Robert Mitchum.

Los textos literarios han sido adaptados, casi podríamos decir, desde la invención del cine el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la primera grabación de la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon.

La necesidad de contar nuevas historias a los espectadores, la garantía del éxito comercial, el proceso de marketing y publicidad ya realizado por la obra literaria en cuestión, el acceso al conocimiento histórico, la recreación de mitos y obras emblemáticas, el prestigio artístico y cultural, la labor divulgadora... todo ello a hecho que miles de directores escojan un texto literario ya escrito para crear sus películas.

La interpretación y adaptación libre de Charles Laughton del cuento infantil de Hansel y Gretel está llena de referencias bíblicas, momentos de humor involuntario, terror, sombras, y personajes excéntricos.

La excelente fotografía en blanco y negro de Stanley Cortez le aporta a la película un cierto tono expresionista, y escalofriante. Las sombras que subyacen en los escenarios, la iluminación de los personajes, las siluetas de los personajes a lo lejos, el cántico de Michum en la noche dotan a la película de un tono magníficamente terrorífico.

Los niños, inmersos en un absorbente clima de miedo, resultan ser testigos de la confrontación entre el bien y el mal, personificados en Harry Powel y Rachel Cooper, y a la visión de un mundo adulto en el que el deseo, la avidez, y el ansia de poder son protagonistas, con un fatal destino trágico. Esto refleja la protección de la infancia en una sociedad dominada por los adultos marcad por la avaricia y el delirio.

La historia en sí no es exactamente igual a la del cuento pero se mantiene la atmósfera de suspense, algunos personajes y los valores temáticos e ideológicos.
Por ejemplo los personajes de los niños cobran la misma importancia en la película que en la obra, aparece la figura de un personaje malvado que les quiere matar, una madre despreocupada y el abandono de los niños en busca de una nueva vida mejor.

La duración del film, al estar adaptada a las ideas del director, es más extensa que el cuento de los hermanos Grimm, aunque no por ello la película ha de ser más aburrida o pesada, sino todo lo contrario. Esta película es una verdadera obra maestra, que al igual que el mismo cuento que solía contarte tu madre una y otra vez, no quieres dejar de escuchar ni un segundo porque aun sabiendo lo que sucede en su desenlace lo que te fascina realmente y te atrapa por completo es la forma de contarlo, la forma de relatar cada una de sus partes, con esa expresividad, emoción y suspense.

La importancia que da el autor a la naturaleza asemeja más la historia a la de un cuento.
En el viaje de los niños en la barca, donde se puede apreciar una bellísima profundidad de campo, los planos de animales y plantas o naturaleza salvaje son casi continuos en la narración de la película, haciendo que esta tome un tono más dulce, tierno y hermoso, como los paisajes de los cuentos.

Esto también se aprecia en la elección de los decorados exteriores, ya que la obra se desarrolla en un medio campestre, granjas, ríos, bosques...

Por otra parte la inocencia, la constancia y la fidelidad a sus promesas de los niños, que toman el total protagonismo de la obra hacen que está pueda transmitir al final una moraleja como la que se encuentran en los viejos cuentos.

Después de ver esta película entendí por que al cine a veces se le nombra como “el séptimo arte”.

“LAS DIABÓLICAS”-Por Guillermo Núñez Fanlo

2010-11-24T09:30:00.000-08:00

1. RECOGIDA DE DATOS
(contexto de producción y ficha técnico artística)

“Las diabólicas”, dirigida por Henri-Georges Clouzot tras acabar su película “El salario del miedo”, es considerada una obra maestra en su género de terror y suspense, que inspiró a muchos, entre ellos a Alfred Hitchcok, director de cine (específicamente, en la película de “Vértigo”).
Está basada en una novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac llamada “Celle qui n’etait plus”, cuyos derechos fueron logrados a carrera por Clouzot, según se cuenta, contra Hitchcock, con pocas horas de diferencia.
Llamó la atención del público en su estreno, y mucho más cuando la actriz Véra Clouzot 5 años después murió de un ataque al corazón, de la misma forma que su personaje en esa película.
Se han hecho varios remakes y películas con la misma temática, entre ellos, un remake reciente llamado “Diabolique”, dirigida por Jeremiah S. Chechik, con Sharon Stone entre el reparto.

Productora: Filmsonor (Francia)
Año y país: Francia, 1955
Productor: Henri-Georges Clouzot
Director: Henri-Georges Clouzot
Escritores: Pierre Boileau/Thomas Narcejac (basado en su novela original)
Montadora: Madeleine Gug
Músico: Georges Van Parys
Formato: Blanco y negro.
Director artístico: León Barsacq
Director de fotografía: Armand Thirard
Lugares de rodaje: Francia (Bressuire, Deux-Sèvres/Saint-Maurice, Val-de-Marne/Niort, Deux-Sèvres/Ville d’Avray, Hauts-de-Seine).
Fecha de estreno: 29 de enero de 1955 (Francia).
Intérpretes principales:

• Simone Signoret…………………..Nicole Horner
• Véra Clouzot……………………...Christina Delassalle
• Paul Meurisse……………………..Michel Delassalle
• Charles Vanel……………………..Alfred Fichet

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

2. RECONSTRUCCIÓN DEL TEXTO FÍLMICO
(sinopsis argumental y segmentación)

Christina Delassalle, la directora de un colegio masculino, y Nicole Horner, una profesora de ese colegio, planean el asesinato del director, el cruel marido de Christina y de quien Nicole es también su amante, en el período de un puente de vacaciones.
Al cumplir el asesinato en la antigua casa de una de ellas, lo llevan a la piscina del colegio para que a la mañana siguiente encuentren el cadáver, pero su desaparición desencadena una serie de detalles misteriosos e inquietantes, entre ellos, las rápidas apariciones inadvertidas del supuesto muerto.

Esta película se podría segmentar en cuatro partes:

1. La introducción de los personajes y la preparación del asesinato.
2. El asesinato cometido por las dos protagonistas.
3. El transporte del cadáver y la desaparición de éste.
4. Los misterios que van apareciendo y la intromisión del policía.
5. Las aclaraciones de los engaños, el arresto del director y su amante y el sorprendente final que aclara lo sucedido con la directora.

3. ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL TEXTO FÍLMICO

Códigos visuales
El formato en blanco y negro de esta película ayuda a darle un toque oscuro al ambiente, ya que la trama trata un crimen y la complicación de ese crimen hasta llegar al clímax final en el que se aclara la mayoría de los misterios. Hay un gran cambio de luz entre los días y entre las noches; en los días, todo es visible por todo el mundo, y por eso, no pasan cosas tan impactantes como en las noches (el asesinato, la aparición del director, etc.) La profundidad de campo es muy poco extensa, lo cual muestra sólo un escenario cercano en el que se desarrolla todo detalle importante o no importante. Debido a esa poca profundidad de campo y a las sensaciones que tiene que dar el paso de la historia y la evolución de los personajes, los planos no son tan lejanos como podría ser un plano panorámico o muy general, sino que son más usados los planos americanos, primeros planos, planos detalle, etc.

Códigos sonoros
Apenas hay música en la película, salvo en los créditos principales y finales. Los únicos códigos que podemos encontrar se basan en la altura de ciertos sonidos y detalles sonoros relacionados con la trama (la conjugación del verbo “encontrar” cuando un encargado de la piscina donde está el cadáver está mirándola y cogiendo suciedad) para intensificar la tensión de los personajes y dada de por sí por la historia.

Códigos sintácticos
La sucesión de planos se centra en alternar entre planos que enseñan escenarios cercanos (planos generales) y los cuerpos, caras u objetos en planos muy cercanos (primeros planos y planos detalles). El ritmo es muy lento, para aumentar la tensión causada al espectador. El montaje es realizado de forma que se omiten determinados momentos, pero se quedan los que pueden dar cualquier detalle que encaje en el misterio que se va desarrollando en la historia.

4. ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO

Enunciación y punto de vista.
El narrador es extradiegético y omnisciente, ya que muestra la historia en “tercera persona”, pero desde un total punto de vista de las protagonistas femeninas.

El tiempo cinematográfico.
La línea de tiempo de la película es cronológica y sin saltos en el tiempo hacia atrás ni hacia delante (flash-back y flash-forward), aunque se omitan ciertos momentos sobrantes.

Estructura del relato.
El relato comienza de forma calmada hasta que va aumentando la angustia y la tensión dada por los personajes y el desarrollo de la trama y llega a un gran clímax, desde el cual, por así decirlo, la bajada es en picado.

Existentes (personajes y escenarios).
Con los personajes de esta película, se da una visión realista de que las ambiciones, el dolor y la venganza mueven a determinadas personas a hacer lo que hacen. Apartando a los niños y al personal del colegio, que tienen un papel muy secundario (menos uno de los niños, que da pistas sobre lo que de verdad ocurre en la historia), los personajes principales son los que mueven el relato de esta película.

Christina Delasalle, la directora del colegio y una de las protagonistas de esta película, es un personaje representativo del sufrimiento, la desesperación y los sentimientos ardientes. Primero, su malestar es la convivencia con su marido y el maltrato por parte de él, y con esos sentimientos ardientes avivados por su compañera Nicole, comete el asesinato para cumplir su venganza por ese dolor. Pero el dolor, más que irse, se intensifica con la culpa y la angustia de ser descubierta, la cual es intencionadamente transmitida al espectador, y, también, no llevar a cabo una venganza limpia.

Nicole Horner, la amante del asesinado y la otra protagonista de esta película, por el contrario, es la sangre fría en persona, aun con sus nervios a veces traicionándola. Ella tiene sus ambiciones de dinero y poder, pero también de estar con su amante. Pero, aun así, va creando un vínculo especial de complicidad con Christina a medida que transcurre el relato, hasta llegar al punto de sentir pena por ella.

El director de la escuela y el cruel marido de Christina, Michel Delasalle, representa junto con Nicole la avaricia, pero por su parte, la superioridad y el orgullo (véase en su trato con los demás). Aun compartiendo con su amante las ventajas de su plan, se deja llevar por su deseo de riqueza sobre todo, sin tener en cuenta los sentimientos de los demás.

El último personaje que tiene una papel importante en la historia es el del policía, Alfred Fichet. Empieza con un aire inocente al introducirse en la historia, pero con su ávida intuición, logra desenredar el misterio, aunque tarde para impedir que Nicole y Michel cumplan su plan.

En cuanto a los escenarios, no muy amplios como antes se ha indicado, son situados en un ámbito que los deja más o menos cercanos entre ellos: el colegio, el pueblo de Niort, la morgue y el hotel. Se nota que la historia es muy personal, y por lo tanto, la zona también lo es.

5. ANÁLISIS DE LA TEMÁTICA

La película trata de enseñar los (en ocasiones) inevitables finales de un crimen que se desborda en su diseño. A través del desarrollo de ese asesinato (los cambios de giro en el conflicto y los diálogos y evolución de las protagonistas, entre otras cosas), el director intenta transmitir la perspectiva personal de las dos protagonistas criminales al espectador como una posible advertencia contra cualquier tipo de actividad maligna.

También aprovecha la trama principal para exhibir sentimientos individuales como la ambición y la venganza (mencionados antes) que pueden existir en las personas y típicos del género de suspense en el cine en general. Y en este caso, llama a estos sentimientos el “origen” de lo que mueve a los personajes y el motivo de la trama.

Todo esto tiene como objetivo dar una visión de situaciones que, desafortunadamente, ocurren realmente en todo contexto histórico, pero de una forma algo más artística e impactante.

6. INTERPRETACIÓN SUBJETIVA (hermenéutica, crítica de un filme)

No es de extrañar, a mi parecer, que esta película haya inspirado a gente tan aclamada como Hitchcock y el novelista de “Psicosis”. El suspense, en la primera mitad de la película, se adueña de cualquier espectador que va a verla, y cumpliendo las expectativas de ese género de forma excepcional, esta película se ha ganado a su público.
Con esta película, puedo ver claramente lo que el director ha querido exhibir y transmitir y cómo lo ha logrado de tal forma que esta película y su director sean tan aclamados como lo son.
Lo que podría destacar por mi parte en esta película es la caracterización de los protagonistas (cuyos actores y sus interpretaciones han ayudado de manera abundante, especialmente Véra Clouzot, cuya representación de Christina es impresionante), que es lo que realmente ayuda a que se desarrolle la trama, y el desarrollo del conflicto hasta el clímax final, que refleja lo que se puede llegar a hacer cuando un crimen es tan bien pensado y el motivo es tan claro como se ve al final de la película.
Considero que este filme tiene muchos valores representativos, tanto de la vida real como en la historia del cine, gracias a determinados elementos mencionados hace un momento, y comprendo la razón de que tenga un mensaje “anti-spoiler” al final, que indique que nadie que la haya visto revele el final a otros que no hayan visto la película.

"LAS SOBREIMPRESIONES EN EL CINE" Por Francisco Javier García Vázquez

2010-10-24T08:52:00.000-07:00

Entre los múltiples efectos técnicos utilizados en el cine, cabe destacar el conocido como "sobreimpresión".
Tal efecto consiste en hacer coincidir dos o más imágenes en un mismo fotograma.
Las intenciones con las que se ha utilizado dicho recurso son tan variadas como personales.
"EL SUEÑO DE CHARLOT"
Charles Chaplin ,en "El Chico"(1921), inició la escena del idílico y angelical mundo paralelo al real (producto del sueño de su protagonista)con una sobreimpresión breve pero elegante, en la que los personajes fueron introducidos como ectoplasmas optimistas y saltarines.
Esta transición permite al espectador considerar lo que va a ver como producto de la mente del dormido vagabundo, evitando así la cofusión que produciría un corte brusco.
"LA TENTACIÓN DEL AMOR LOCO"
En "Amanecer"(1927) de F.W.Murnau, el director alemán las utilizó para mostrar el debate moral del protagonista ante las insinuaciones de su tentadora amante.Esta envuelve al protagonista desde diferentes posiciones mostrándose "real" para él, pero invisible para su mujer, desinformada y desafortunada en este trío amoroso.
"EL DESORDEN MENTAL"
En la magistral "Y el mundo Marcha"(1928) King VIdor utiliza la sobreimpresión para mostrar la desconcentración del protagonista en su trabajo producto de la pena infinita que le ha infligido la muerte accidental de su pequeña hija.La frente de este contable muestra como los números bailan en su cabeza sin que él, impotente, pueda hacer nada para centrarse en su aburrido trabajo.
"LA POSESIÓN PSICÓTICA"
El maestro del suspense, Hitchcock, introdujo sutílmente una calavera sobreimpresa sobre el primer plano de Norman Bates en "Psicosis"(1960) con el fin de crear un terror casi subliminal que espantara al compasivo espectador.
"EL ABURRIMIENTO PASIONAL"
Más divertido es el uso que Woody Allen hace de la sobreimpresión en Annie Hall(1977), donde una Diane Keaton ,aburrida del cortejo amoroso del protagonista que tiene lugar en la cama, se desdobla en un alarde de simultaneidad para observar, sentada en una silla, lo que no es sino una fría,distante, y forzada relación.

CRÍTICA de la película "DÉJAME ENTRAR" por Francisco Javier García Vázquez

2010-10-02T09:17:00.000-07:00

Desde la fría Suecia nos llega esta pequeña y curiosa obra maestra de terror lírico.
"Déjame entrar" es una película de Vámpiros que , a pesar de la saturación de este subgénero dentro de los fims de terror que inundan hoy en día nuestras pantallas,destaca con luz propia por su planteamiento y desarrollo.
Oskar, un niño acosado por sus compañeros de clase, encuentra refugio en Eli, una inquietante pero tierna vecina que alberga un misterio en su vida.
Tomas Alfredson, su director, no pretende asustar con efectismos baratos y gastados. Su película se centra tanto en el horror como en la ternura, en la crueldad como en la compasión para terminar con la unión-a pesar de sus diferencias- de dos almas gemelas.
Filmada con una paleta de colores fríos y unas actuaciones austeras y sinceras, "Déjame Entrar" supone un soplo de aire fresco para los amantes de la cinematografía de género.

ANÁLISIS DEL FILM “LA SOGA”-Por Fco.Javier García Vázquez

2010-09-18T11:20:00.000-07:00

1) RECOGIDA DE DATOS (contexto de producción y ficha técnico artística)
Filmada en 1948 , “La soga” constituye no sólo la primera película en color de Alfred Hitchcock, sino que también es su primera obra rodada en un –aparente- único plano secuencia.
Realizada entre dos películas menores-“El proceso Paradine” y “Atormentada”-este film también supone el bautismo de Hitchcock como productor tras trabajar anteriormente para grandes compañías americanas –David O. Selznick y RKO fundamentalmente.
Un crimen real fue el que motivo que inspiró la obra teatral del mismo título- escrita por Patrick Hamilton-y representada en escenarios de todo el mundo en multitud de ocasiones. Con su habitual meticulosidad el director inglés trató de mostrar los sucesos en tiempo real, mediante la ya comentada toma única.
La liberación de los prisioneros judíos de los campos de concentración nazis tres años atrás y el motivo de su confinamiento- la supuesta superioridad de la raza aria basándose en interpretaciones erróneas de la teoría de Nietzsche -gravitan soterradamente en algunos momentos de este film
La historia de este crimen sería adaptada de nuevo en 1959 por el autor americano Richard Fleischer en “Impulso Criminal”, aunque prescindiendo de los retos técnicos de los que había partido el maestro del suspense.
Productora: Transatlantic pictures
Año y país: EEUU 1960
Director: A. Hitchcock
Escritores: Patrick Hamilton(basada en su obra original)
Hume Cronyn (adaptación)
Montador: William H.Ziegler
Música: David Buttolph
Año de estreno: 28 de agosto de 1948

Intérpretes :
James Stewart……………………………………Rupert Cadell
Joan Chandler……………………………………Anet Walker
John Dall……………………………………………Brandon Shaw
Farley Granger…………………………………..Phillip Morgan
Cedric Hardwicke………………………………Mr. Henry Kentley

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
2) RECONSTRUCCIÓN DEL TEXTO FÍLMICO
(sinopsis argumental y segmentación)
Brandon y Philip son dos jóvenes universitarios que deciden estrangular a un compañero de clase basándose en las erróneas interpretaciones de las clases de Filosofía que impartió Rupert Cadell, su admirado profesor de instituto.
Tras cometer el crimen, organizan una ceremonia macabra a la que asistirán las personas más allegadas al joven asesinado
En cuanto a la segmentación dividiremos la película en tres partes:
1) Desde el asesinato inicial hasta la llegada de los invitados.
2) La llegada del profesor Rupert Cadell
3) La marcha de los invitados y la conversación entre los dos protagonistas
4) El regreso de Rupert Cadell y la aclaración del crimen.

3) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL TEXTO FÍLMICO
Códigos visuales
Como se ha comentado más arriba, “La soga “está rodada en único plano secuencia, con el fin de representar el tiempo real que transcurre desde las 19:30 h hasta las 21:15 h.
Como se daba la circunstancia de que los rollos de película tan sólo tenían capacidad para 10 minutos de rodaje, con el fin de mantener la continuidad narrativa la cámara enfocaba un lugar oscuro cuando estos acababan para así proceder al cambio de rollo. De este modo al espectador le pasa totalmente inadvertido este truco consiguiendo la linealidad temporal buscada por el autor.
Hitchcock lamentó en varias ocasiones el resultado final de la película a pesar del esfuerzo técnico que supuso. No obstante, y según comenta Hitchcock en sus conversaciones con Truffaut “Aunque esta película rompía y renegaba de mis teorías sobre la fragmentación del film...mantenía el cambio de proporciones de las imágenes en relación con la importancia emocional del momento”
Los colores del film son vivos- muy propios del Technicolor de la época- pero también armónicos y elegantes como es evidente en la decoración que rodea a los personajes. Contrastan sin duda con la sordidez de los sucesos que han tenido lugar en el apartamento de los jóvenes.
Interesante es el cambio de la luz que se produce en el decorado posterior del film -tras los ventanales- y que detalla el transcurso de la tarde con iluminación puramente artificial.
Los protagonistas visten trajes de corte refinado que delatan su clase social. A destacar el terno azul marino de Brandon respetando la máxima de Hitchcock de que el villano tiene que ser tan atractivo como el héroe.
Códigos sonoros
La música es prácticamente inexistente, pero es importante detenerse en la conversación que mantienen James y Stewart y Farley Granger en el último tercio de la película. Mientras este último toca el piano, las notas son progresivamente desdibujadas para representar la tensión del interrogatorio.
Códigos sintácticos
La idea de montaje en “La soga” está incluido en el propio plano secuencia; un plano general se enlaza con un plano americano que a su vez se convierte en un plano medio. Así el maestro inglés se privó aquí de su personal montaje y que constituye uno de los elementos más personales de su filmografía.
Sólo en algún caso se traspasa la premisa inicial, con un corte que muestra un primer plano de James Stewart, suponemos que con fines expresivos, y por supuesto en el plano picado del inicio-con efecto de contraste- en el que se refleja la normalidad de la calle mientras que un horrible crimen está sucediendo arriba

4) ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO
a) Enunciación y punto de vista
El narrador es impersonal o extradiegético , no participa en la historia. No se puede decir que sea omnisciente, ya que el narrador desconoce cuáles son los planes del profesor Rupert Cadell
b) El tiempo cinematográfico
Como se ha dicho arriba el orden es lineal, puesto que los acontecimientos se desarrollan cronológicamente. No hay Flashbacks ni elipsis. Cuando se rememora el pasado es a través de los diálogos.
c) Estructura del relato
Podríamos decir que el tono del relato va subiendo progresivamente aunque hay un anticlímax –conversación del profesor con los dos jóvenes en el tramo último-antes del climax final-forcejeo de la pistola entre alumno y profesor.
La estructura se centra en el apartamento ya que es el único decorado de la película.
d) Existentes (personajes y escenarios)
La película alterna personajes jóvenes con otros de mediana edad. El universo de los jóvenes muestra la inconsciencia disfrazada de intelectualidad de los dos protagonistas pero también las historias sentimentales truncadas de dos intérpretes secundarios.
En el universo adulto contamos con la solvente figura del profesor que encarna James Stewart. Si al principio se muestra como un personaje ambiguo e irónico, al final del film muestra su solidez ética e intelectual. En el lado contrario Mrs Anita Atwater es representada como un personaje egocéntrico y superficial.
Digno de lástima es el personaje interpretado por Cedrick Hardwick, padre del joven asesinado que, ignorando el terrible suceso, muestra la preocupación ante la ausencia de su hijo en la fiesta (por otra parte no tan ausente).
5) ANÁLISIS DE LA TEMÁTICA
¿Realmente alguien puede estar tan borracho de soberbia como para considerar a sus semejantes inferiores? O lo que es peor, y también partiendo de este presupuesto, ¿tenemos derecho a aniquilarlos por no ser dignos de existir?.
Philip Morgan, y sobre todo, Brandon Shaw crean una moral a su medida, una moral en la que ellos se consideran una referencia única y superior, y en la que, a su parecer, no entran aquellos a los que consideran diferentes.
La moral no es relativa en su totalidad, es lo que viene a decir el profesor Rupert Cadwell dándoles una lección impecable de ética. No hay ningún tipo de moral que permita asesinar a un ser inocente partiendo de unos fundamentos tan egocéntricos como enfermos. Nadie tiene derecho a cortar de un tajo una vida, cercenar el futuro de alguien a quien equivocadamente se le supone distinto, o en este caso, inferior.
La película también nos habla de la cautela que debemos tener al prodigar nuestros pensamientos y teorías; no es lo mismo moverse en el plano intelectual de las ideas-con lo que conlleva de juego mental- que llevar a la práctica unos supuestos degenerados que causan el mal ajeno.

6) INTERPRETACIÓN INTERSUBJETIVA (hermeneútica, crítica de un filme)
Debido al reto técnico que supuso “La soga”, ya debería ser por esta razón un film a tener en cuenta, pero no debemos olvidar otros valores que la han introducido merecidamente en el listado de las películas de culto.
Existen pocos ejemplos en la historia del cine que comiencen de forma tan contundente y sorpresiva: un primer plano de un estrangulamiento que impacta de modo rotundo en la retina del espectador.
Es realmente difícil elevar la tensión narrativa a partir de tan brusco principio.
Hitchcock parte de un guión en el que no hay momentos muertos, que no deja respiro, estructurándolo de modo que nos envuelve progresivamente sintiéndonos como un invitado más de la desagradable ceremonia.
Si a esto añadimos que la acción se desarrolla en un único escenario, lo cual en principio puede constituir una limitación, podemos deducir que hay una serie de elementos que contribuyen a mantener el interés continuo en su visionado.
Efectivamente, las interpretaciones de John Dall y Farley Granger constituyen dos magníficos ejemplos de apropiamiento del personaje. El primero, interpretando al impasible Brandon, está a la altura de los malvados más insignes de la historia del cine. Comedido en sus gestos, este actor logra dibujar un personaje tan atractivo como repugnante.
Farley Granger representa a la perfección los remordimientos que el anterior no tiene, es el personaje pusilánime, arrastrado por una personalidad más fuerte y dominante. Es el punto frágil que desmorona la perversa trama.
Como contrapunto, tenemos la magnífica interpretación de James Stewart, la primera que haría con el director inglés. Es difícil ver en su interpretación al despistado y cándido personaje que había representado repetidas veces en la primera etapa de su carrera. El actor americano compone aquí un personaje al principio mordaz e irónico para terminar siendo el auténtico referente moral de la historia.
Las interpretaciones medidas y eficaces, lejos del histrionismo, dan como resultado una auténtica lección de cine.
Podemos concluir que Hichtcock trata de ponérselo difícil así mismo, partiendo de unos obstáculos casi infranqueables de sortear y que pocos directores hubieran asumido por voluntad propia. El maestro del suspense los supera con total éxito.

PODCINEMA: Palomitas y Podcast

2010-08-29T08:56:00.000-07:00

Añadimos en nuestra página un enlace a PODCINEMA.
Si sólo se tratara de escuchar podcasts monográficos dedicados a personajes y cuestiones esenciales del cine, ya sería de por si interesante, pero es que por añadidura los responsables de esta página imprimen un gran sentido del humor al mundo del celuloide,tratando sobre todo que el oyente se encuentre como en familia, disfrutando de su frescura y originalidad.
Esperamos que Laurence Olivers, Eduardo Ed Wood y Pablo Mcqueen nos sigan deleitando con su trabajo por muchos años.¡Bravo!

"EL PUEBLO DE LOS MALDITOS" Por Altair Montero Martinez-Falero

2010-05-13T10:23:00.000-07:00

Análisis de una película:
El Pueblo de los Malditos, Wolf Rilla (1960)

Índice

1. Recogida de datos
1.1 Contexto de producción
1.2 Ficha técnico-artística
2. Reconstrucción del texto fílmico
2.1 Sinopsis argumental
2.2 Segmentación
3. Análisis de los elementos formales del texto fílmico
4. Análisis de los elementos formales del relato
5. Análisis de la temática
6. Interpretación intersubjetiva
6.1 Hermenéutica
6.2 Crítica de un film

1. Recogida de datos
1.1 Contexto de producción

La película fue rodada en 1960, en plena Guerra Fría, época en la que muchas de las películas de invasiones extraterrestres eran, en realidad, propaganda anticomunista: los invasores provenían de Marte, el planeta rojo, carecían de individualidad y golpeaban a los Estados Unidos con una manifiesta maldad. En esta década tanto Gran Bretaña como Francia pierden prácticamente la totalidad de sus colonias. En Inglaterra nace la era “mod”, reacción juvenil ante el conformismo de las clases medias británicas. Se crea una actitud individualista ante la vida.

1.2 Ficha técnico-artística

Dirección - Wolf Rilla
Producción - Ronald Kinnoch
Guión - Stirling Silliphant, Wolf Rilla, Ronald Kinnoch (basada en la novela “The Midwich Cuckoos" de John Wyndham)
Música - Ron Goodwin
Edición – Gordon Hales
Fotografía – Geoffrey Faithfull
Efectos fotográficos – Tom Howard
Director de arte – Ivan King
Supervisor de vestuario – Eileen Sullivan
Maquillaje – Eric Aylott
Reparto - George Sanders, Barbara Shelley, Martin Stephens, Micharl Gwynn

La película fue originalmente una película americana cuando la preproducción se inició en 1957. Ronald Colman fue contratado para el papel principal, pero Metro Golden Mayer dejó de lado el proyecto, considerándolo provocador y controvetido debido a la siniestra imagen del nacimiento virginal. Colman murió en mayo de 1958 -por extraña coincidencia, su viuda, la actriz Benita Hume, se casó con el actor George Sanders en 1959, y Sanders tomó el papel destinado a Colman-.

2. Reconstrucción del texto fílmico

2.1 Sinopsis argumental

Un día, todos los habitantes del pueblo de Midwich se desmayan durante unas horas. La policía moviliza hasta el ejército para averiguar lo ocurrido, creándose un estado de confusión. El hecho de que la “zona de desmayo” esté perfectamente delimitada hace que la perplejidad aumente entre los que observaron el fenómeno, si entrabas en Midwich, te desvanecías. Poco a poco todos vuelven en sí y la normalidad se reinstala en el pueblo. Sin embargo, dos meses después muchas de las mujeres se quedan embarazadas y todas dan a luz sobre la misma fecha a unos niños de ojos extraños y pelo rubio. Entre ellos existe un fuerte vínculo telepático. Con el tiempo se vuelven cada vez más peligrosos hasta que en una reunión descubren que hay casos similares en otros lugares del mundo. ¿Qué deben hacer con ellos? Gordon, el protagonista, les enseña poniendo toda su fe en la extraordinaria inteligencia de los pequeños. Al final, comprendiendo el riesgo que corren, Gordon urde un plan y, cerrando su mente para que no le descubran, hace volar la casa donde los niños viven con una bomba. Sin embargo, parece que no han acabado con ellos…

2.2 Segmentación

1. Desde la primera escena, en la que Gordon habla por teléfono, hasta que descubren que las mujeres del pueblo están embarazadas.

2. Desde ese descubrimiento hasta el incidente en la casa de Gordon, cuando su mujer se quema con el agua hirviendo.

3. Desde la reunión en la que se habla de qué hacer con los niños hasta que explota la casa.

3. Análisis de los elementos formales del texto fílmico

3.1 Códigos visuales

No se usan complejos ángulos ni encuadres, la composición es sencilla. Hacen uso del primer plano para enfocar el rostro (y, sobre todo, los ojos) de los niños cuando ponen en marcha sus poderes mentales para enfatizar la sensación de terror. La iluminación es oscura y tétrica.

3.2 Códigos sonoros

Cada vez que el poder de los niños actúa hacen uso de un estridente sonido, un leitmotiv que reconocemos a lo largo de la película.

3.2 Códigos sintácticos

No hacen uso de complejas transiciones sino que los cambios de escena se realizan con cortes, fundidos, barridos…

4. Análisis de los elementos formales del relato

4.1 Enunciación y punto de vista

No hay presencia de narrador a lo largo de la película. El espectador sabe lo que los personajes saben.

4.2 Tiempo cinematográfico

El orden del film es lineal, los acontecimientos se van sucediendo a la vez que el tiempo de narración.

4.3 Estructura del relato

Se presenta el problema, es investigado y se resuelve (o no, pues queda en el aire en este caso). Estos puntos coinciden con la segmentación anteriormente efectuada. Las distintas escenas podrían corresponder con capítulos del libro (los desmayos, la policía, los habitantes vuelven en sí, (dos meses después) la noticia de los embarazos, la reunión…)

4.4 Existentes

Los personajes son los habitantes del pueblo y los extraños niños. Los habitantes viven constantemente atemorizados ante la presencia de semejantes criaturas, sin saber cómo tratarles para no salir mal parados, pues no pueden evitar pensar sobre ellos cuando aparecen. Gordon lleva a sus espaldas un conflicto interno durante toda la película. Ve a los niños como una novedad a investigar, quedando atónito ante sus capacidades mentales y su inteligencia. Sin embargo, poco a poco comprende el daño que podrían causarles. A Altea le ocurre lo mismo, quiere a David pero él la ataca y se muestra frío y cruel con ella, mientras que su madre tan sólo pretende darle cariño.

La película se rodó en la ubicación de la aldea de Letchmore Heath, cerca de Watford, aproximadamente 12 millas (20 kilómetros) al norte de Londres. Los edificios locales, tales como The Three Horseshoes Pub y Aldenham School, se utilizaron durante la filmación como escenarios cotidianos en la vida de los habitantes.

5. Análisis de la temática

El tema principal es la invasión alienígena. El libro en el que se basa se llama “Los cucos de Midwich”, pues estos pájaros matan las crías de otras aves y colocan las suyas en sus nidos para que sean alimentadas (una metáfora bien clara pues ocurre lo mismo con las mujeres del pueblo). Esto recuerda a “La invasión de los ultracuerpos” (Don Siegel, 1956), película que narra una invasión extraterrestre mediante esporas que dan lugar a copias de seres humanos, de idéntico aspecto pero sin sentimientos. Ambos films tienen en común la “invasión silenciosa e inquietante”, sin usar típicos platillos volantes, haciéndolo más oscuro.
En “El Pueblo de los Malditos” también se trata un tema complicado cuando todas las mujeres del pueblo se quedan inexplicablemente embarazadas, sin saber qué decir a sus maridos y sin saber ellas mismas qué creer. Se habla del “amor de madre” (poniendo como ejemplo a Altea). Ella quiere a su hijo por encima de todo pero siente que no es suyo, que es malvado, que no corresponde con el mundo en el que vive. Que tiene algo extraño.
También hay varios conflictos morales: ¿Qué deben hacer con los niños? ¿Destruirlos, investigarlos? ¿Han de correr el riesgo? ¡Si tan sólo son niños! ¿Qué otros misteriosos poderes ocultos pueden poseer? ¿Podrían llegar a dominar el pueblo? ¿Estaría bien acabar con ellos? Y, sobre todo, el complejo tema del “nacimiento virginal”; las mujeres del pueblo tratando de explicar lo inexplicable a sus maridos.

6. Interpretación intersubjetiva

Lo que hace a esta película ser un clásico en su género es su sencillez tratando el tema de los extraterrestres (prácticamente convertido en un subgénero dentro de la Ciencia Ficción). Me encanta el comienzo, lo raro que resulta ver a todo el pueblo aparentemente dormido, el extraño comienzo. Lo tétrico que es ese silencio, lo estático que es todo. La simple presencia de los niños hace que te estremezcas y temas por la seguridad de los personajes al otro lado de la pantalla. Para enrarecer más aún su aspecto, durante el rodaje se usaron pelucas con relleno que hacían que sus cabezas pareciesen mucho más grandes y ahuevadas.

Los 400 golpes -por Amanda Aiquen Grispo

2010-04-28T09:04:00.000-07:00

Los cuatrocientos golpes de Truffaut es la película más emblemática del movimiento de la Nouvelle Vague. Sobretodo por la actividad crítica del propio director.
Con ello quiero citar que cumple estrictamente la primera de las características de este movimiento surgido en Francia, es Cine de Autor.
Se nota el reflejo de la dura infancia de Truffaut, sus miedos, sus pensamientos y sus preocupaciones, lo que me llama la atención porque no suele ser fácil encontrar en esta época un tipo de cine tal y como lo representa Truffaut.
Por ejemplo, una de sus preocupaciones eran los estudios, el colegio, donde tenía que vérselas con las injusticias y leyes de la sociedad, con las que desde un primer momento no parece muy satisfecho.
En sus pensamientos vaga lentamente la idea de hacerse un hombre, de terminar su formación, pero tampoco le da mucha importancia, puesto que es un niño.
Destacan las voces en off reflejando los pensamientos del niño, el rencor que siente hacia su profesor. “Que yo haya ofendido los muros de la clase…” es textualmente lo que le atenaza.
Hay que apreciar la facilidad de ver las cosas que tienen los niños junto con la similitud, y todas las mentiras que pueden pasarles por la cabeza para justificar sus fracasos, sus miedos, sus errores…

La segunda característica de la Nouvelle Vague que cumple Truffaut es que su obra no está basada en una obra literaria, no es comercial en ese aspecto, busca la cotidianidad de una película basada en su propia experiencia, algo personal, algo que llame la atención pero que a la vez sea simple, modesta.
Su propia vida es lo que hace que la película sea interesante, que guste al público, de manera que no sea pesada pero que tenga una complejidad camuflada. Lo que parece simple termina siendo complicado, puesto que se plantean ciertas ideas filosóficas. (Arquímedes es citado) Truffaut busca algo innovador pero a la vez que la gente vea reflejada su propia infancia en ello. Aunque no exactamente puesto que cada vida es única y no pueden tener las mismas experiencias pero sí que podemos encontrar ciertos símiles que cualquier persona de cualquier época puede encontrar en su propia vida, en su infancia, en su experiencia personal.
La ansiedad de ser una persona de provecho, la motivación del estudio para ser alguien, las ganas de encontrar el lugar que corresponde ocupar, el miedo de los castigos tanto de los profesores como de los padres, temor a que las opiniones propias sean rechazadas por no coincidir con lo que se espera del “prototipo de persona correcta”. Truffaut es capaz de plasmar todas estas emociones además de muchas otras, y trasmitirlas al público de manera ligera, incluso divertida e irónica. Parece que desea fervientemente que cada uno se plantee su propia vida y su propia contribución al mundo.

La tercera característica es bastante obvia, no utiliza una técnica compleja como ya he dejado entrever.
Se prefiere una simplicidad técnica puesto que así el espectador se centra en la trama de la película, en los personajes y no tanto en los mecanismos con los que se ha creado. Incluso me atrevería a decir que tanto los paisajes como el escenario pasa totalmente desapercibido al ojo humano y la atención se desvía debidamente a los diálogos y a las acciones que acometen los personajes.
Se puede pensar que esta característica puede aburrir al público en ciertos momentos y no se desvía nadie de la realidad al creer en ello, pero es ahí donde tiene que poner toda su maña el director, tiene que conseguir que el público desee esa simplicidad en todo lo que ve, tanto a nivel cinematográfico como a nivel mental, incluso en su propia vida y experiencias.
El director tiene que conseguir que el público se divierta, o incluso que aprenda una lección tras ver dicha película o que se plantee su vida desde un punto de vista distinto.
Este largometraje es un claro ejemplo de ello y por supuesto es una representación digna a considerarse partidaria de la Nouvelle Vague.
Truffaut cumple muy bien su papel, su trabajo en el film. Consigue que el público se moralice a la vez que se entretiene, una característica que podemos encontrar en diversos movimientos literarios, por ejemplo en el realismo e incluso en el romanticismo, pero eso es a nivel teatral.

Por último nos podemos encontrar con la característica que cita que la luz, el sonido y la música deben de provenir de los escenarios naturales.
Algo que por supuesto podemos atribuir a esta película.
Los sonidos son los habituales según el escenario: el sonido de los coches cuando los niños están cerca de una carretera, el ruido de la gente al caminar, la conversaciones de las personas que los rodean, el sonido habitual en una clase, silencio hasta que el profesor se despista y todos comienzan a hablar o a hacer burla. Podemos encontrar un momento en el que se escucha el sonido que genera una paloma, incluso también se aprecia el ronronear de un gato.
La luz no es artificial, puesto que se notan ligeros cambios de claridad en los días nublados y los soleados. También se aprecia la oscuridad de la noche, y la iluminación del interior de las casas.
Cuando el protagonista, Antoine, está en la casa de su amigo René, escondido en una habitación cualquiera se puede ver con claridad que la habitación está a oscuras sin más iluminación que una vela.
Truffaut es muy detallista en este aspecto.
En cuanto a la música no estoy muy segura de si se encuentra en el lugar de rodaje o es añadida, por ello en este aspecto no tengo nada que comentar.

Si es cierto que debo hacer alusión (puesto que son una excepción a las características de la Nouvelle Vague) a las voces en off, se escuchan en tres ocasiones.
La primera es cuando se representan los pensamientos del niño como ya he citado anteriormente, la segunda es cuando Antoine lee para sí un texto de Balzac y la tercera es cuando en clase recuerda dicho texto y decide usarlo en su redacción.

De acuerdo a todo lo que he escrito anteriormente sigo diciendo que Los cuatrocientos golpes de Truffaut es una auténtica película que representa en todos sus aspectos al movimiento francés de la Nouvelle Vague.

THE OFFICE

2010-02-07T08:28:00.000-08:00

Quedo sorprendido por el visionado de una serie que, a pesar de haberse realizado hace casi una década, destaca por su originalidad y frescura.
"The Office", serie producida por la BBC en 2001 muestra la vida cotidiana en una oficina ubicada en un polígono industrial del extraradio.
En principio,a partir de esta pauta, pueden imaginarse situaciones cotidianas, más o menos cecanas, más o menos humorísticas, para todos aquellos que trabajan en lugares similares.
Lo extraordinario de "The office" es que la vida diaria de esta oficina es vista a través de una cámara omnipresente y de la que son conscientes todos los empleados que son filmados. Esta situación les hace mantener relaciones de complicidad con los espectadores, a los cuales miran frecuentemente.
Pintoresco es el personaje de David Brent, interpretado por Ricky Gervais, un jefe que bajo la apariencia de la correción política, la empatía con los empleados, la filosofía empresarial y un muchas veces dudoso sentido del humor esconde un mundo tan sórdido como turbulento.

VHS Y LITERATURA

2009-12-15T09:04:00.000-08:00

Encontrar similitudes entre elementos formales o de contenido entre el cine y literatura es más que frecuente.Más extraño es encontrar analogías entre determinados efectos técnicos del cine traspuesto al mundo de la escritura.
En el siguiente fragmento podemos leer como el protagonista de "Matadero 5" de Kurt Vonnegut reproduce una cinta de video al revés, aprovechando el retroceso para concluir en un canto a la inocencia de la humanidad.

"Billy miró el reloj que había sobre la cocina de gas. Tenía que matar el tiempo durante una hora antes de que
llegara el platillo. Se fue a la salita balanceando la botella como si fuera una campana, se sentó en una butaca y
puso en marcha el televisor. Entonces, tras haberse aislado ligeramente del tiempo, vio la última película, primero al
revés, de fin a principio, y luego otra vez en sentido normal. Era una película sobre la actuación de los bombarderos
americanos durante la Segunda Guerra Mundial y sobre los valientes hombres que los tripulaban. Vista hacia atrás
la historia era así:
Aviones americanos llenos de agujeros, de hombres heridos y de cadáveres, despegaban de espaldas en un
aeródromo de Inglaterra. Al sobrevolar Francia se encontraban con aviones alemanes de combate que volaban
hacia atrás, aspirando balas y trozos de metralla de algunos aviones y dotaciones. Lo mismo se repitió con algunos
aviones americanos destrozados en tierra, que alzaron el vuelo hacia atrás y se unieron a la formación.
La formación volaba de espaldas hacia una ciudad alemana que era presa de las llamas. Cuando llegaron, los
bombarderos abrieron sus portillones y merced a un milagroso magnetismo redujeron el fuego, concentrándolo en
unos cilindros de acero que aspiraron hasta hacerlos entrar en sus entrañas. Los containers fueron almacenados
con todo cuidado en hileras. Pero allí abajo, los alemanes también tenían sus propios inventos milagrosos,
consistentes en largos tubos de acero que utilizaron para succionar más balas y trozos de metralla de los aviones y
de sus tripulantes. Pero todavía quedaban algunos heridos americanos, y algunos de los aviones estaban en mal
estado. A pesar de ello, al sobrevolar Francia aparecieron nuevos aviones alemanes que solucionaron el conflicto. Y
todo el mundo estuvo de nuevo sano y salvo.
Cuando los bombarderos volvieron a sus bases, los cilindros de acero fueron sacados de sus estuches y
devueltos en barcos a los Estados Unidos de América. Allí las fábricas funcionaban de día y de noche extrayendo el
peligroso contenido de los recipientes. Lo conmovedor de la escena era que el trabajo lo realizaban, en su mayor
parte, mujeres. Los minerales peligrosos eran enviados a especialistas que se encontraban en regiones lejanas. Su
tarea consistía en enterrarlos y esconderlos bien para que así no volvieran a hacer daño a nadie.
Los pilotos americanos mudaron sus uniformes para convertirse en muchachos que asistían a las escuelas
superiores. Y Hitler se transformó en niño, según dedujo Billy Pilgrim. En la película no estaba. Porque Billy
extrapolaba. Y se imaginó que todos se volvían niños, que toda la humanidad, sin excepción, conspiraba biológicamente para producir dos criaturas perfectas llamadas
Adán y Eva."

LA CLAQUETA-Un buen programa de cine

2009-12-08T11:54:00.000-08:00

Acostumbrados a sufrir en los medios programas que, bajo la apariencia de información cinematográfica, lo único que pretenden es promocionar los nuevos estrenos,"La Claqueta supone un soplo de aire fresco para todos aquellos que se tengan por cinéfilos o que simplemente les guste pasar un buen rato escuchando curiosidades sobre cualquier aspecto del 7º Arte.
Dirigido desde hace unos cuantos lustros por Pepe Nieve, "La claqueta" se emite actualmente en Radio Marca los sábados de 9.00 a 11.00.
Con un tono amable las más de las veces, ameno muy frecuentemente y ácido cuando procede, los tertulianos de "La Claqueta" desgranan lo mismo las últimas novedades que los clásicos imperecederos de la historia del cine.Una buena propuesta para los madrugadores del fin de semana.

Enlace con artículo sobre el director de "La Claqueta" en su 25 aniversario.
Podcasts de "La Claqueta"

AULA Y CINE-FUNDAMENTOS PERCEPTIVOS EN EL CINE

2009-12-06T10:51:00.001-08:00

Aunque tendemos a pensar que la historia del cine nace a finales del siglo XIX, es posible remontarse unos siglos antes para descubrir como el ser humano siempre ha tenido la tendencia a narrar historias a sus semejantes de muy variadas formas, pero considerando la imagen como una de las vías preferentes para ello.
Podríamos retrotraernos a las cuevas de Altamira o a la columna de Trajano, pero pienso que la potente imagen del Pantocrator es un buen punto de inicio, ya que sintetizando narración e imagen se dirige a un público popular, tal como haría el cine mucho después en destartaladas barracas de feria. Las pinturas de Giotto, Van der Weyden o Habbema suponen pasos cada vez más seguros hacia una emulación de la realidad, dotándola de movimiento, atmósfera pero lógicamente pasada por el filtro personal de cada uno de los artistas que crearon tales obras.
El visionado por parte de los alumnos de estas diapositivas, les ayudarán a conocer cronológicamente los esforzados intentos del ser humano para aprehender la realidad.
La diapositiva que muestra la cámara oscura es la inflexión a partir de la cual se precipitarán los acontecimientos.
Si bien es cierto que se había utilizado en el renacimiento como ayuda para encajar los elementos compositivos de un cuadro, a partir del siglo XIX será un elemento fundamental en el proceso de captación de la realidad.
La ingenua, pero importantísima, fotografía de Niepce inicia una senda sin marcha atrás. Las sales de plata, sensibles a la luz, captan la humilde visión desde la ventana del malogrado inventor.
Los artilugios de Muybridge y Marey suponen los primeros pasos hacia el movimiento real y que tanto influirá en las obras de los vanguardistas pintores futuristas.
A partir de aquí, lo que empezaron a ser pequeños juguetes de las clases acomodadas, praxinoscopio, zootropo, etc- se convertirán en elementos fundamentales para que inventos como el Kinetoscopio o la mítica cámara de los hermanos Lumiere puedan ser desarrollados.
Posteriormente veremos en la presentación que la televisión trae el cine a casa, pero aún así la capacidad de grabar y transmitir está al alcance de unos pocos.
Con la Sonypack comienza el dominio de la imagen por parte del gran público.
Los medios informáticos actuales, suponen hoy en día la cristalización de los anhelos del hombre común no tan sólo para ver, sino también para producir.

Con este pequeño recorrido se puede ilustrar la historia del cine para los alumnos.Se tratará de iniciarlos en el mundo del cine, esperando que ellos se encargarán posteriormente de enriquecer mediante la profundización utilizando todos aquellos medios que les brinden las nuevas tecnologías.

Fundamentos Perceptivos En El Cine

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EL CINE DE F.W.MURNAU en el aula

2009-12-06T09:45:00.000-08:00

A pesar de ser conocido por una primigenia película de terror-"Nosferatu"(1922)-F.W. Murnau(1888-1931) se distinguió por hacer un cine elegante en las formas y centrado en el ser humano en el fondo.Buena prueba de ell son "El último"(1924) o "Amanecer"(1927).

Cualquier película de este cineasta alemán serviría como ilustración para los alumnos de lo que ha significado el buen cine europeo, pero "Phantom"(1922) concentra muchas de sus virtudes éticas y estéticas.

En cuanto al texto fílmico, Murnau utiliza códigos visuales que lo acercan más al surrealismo que al expresionismo, que justificadamente siempre lo ha tenido como uno de sus más excelsos representantes.En el Clip insertado observamos una interesante escena en el que el estado anímico del personaje se transfiere a ese semidesmoronamiento de la arquitectura que lo acompaña y que nos rememora las perspectivas de Chirico, o ese prodigioso efecto en el que el suelo donde están situados los dos comensales se hunde en la profundidad más inquietante.
Y en cuanto al relato narrativo, Murnau sumerge a sus protagonistan en los abismos del infierno, para-cuando apenas les queda una pizca de esperanza- rescatarlos y devolverlos a la dignidad humana.Por lo tanto, su cine no se centra sólo en aspectos esteticistas,también en los morales.

Murnau también nos brinda la ocasión de establecer las naturales relaciones que hay entre el cine y la lteratura, como podemos observar en dos películas no menos importantes de su filmografía:"Tartufo" y "Fausto", ambas de 1926.
Por supuesto que hay películas contemporáneas que tambien poseen estos valores, pero el visionado de los clásicos del cine es una inmejorable oportunidad para que las nuevas generaciones conozcan el origen de la modernidad a través de los inicios del cine.

EDUCACIÓN Y CINECLUB CON DAVID GILMOUR

2009-12-06T08:41:00.000-08:00

Aprovecho la publicación del artículo sobre el crítico de cine David Gilmour en el diario ABC para hablar de las bondades del cine como un medio eficaz en la educación.
David Gilmor comenta la desesperación que le embargaba al ver que su hijo fracasaba en los estudios, fracaso que intuía se iba a prolongar en su vida adulta.Dada esta situación, este crítico canadiense le propuso a su hijo Jesse que vieran durante tres años tres películas a la semana que él consideraba de especial interés:"Los 400 golpes", "La dolce vita", "Desayuno con diamantes", "El padrino", "Annie Hall", "Psicosis"...
Tal como nos cuenta Gilmour en el libro que ha escrito relatando esta experiencia-"Cineclub"-, Jesse ha logrado encarrilar su vida.
Pero lo más curioso es que no cifra el éxito de su propuesta en las películas en sí, sino en el tiempo en que estuvieron juntos, compartiendo algo que les gustaba a los dos.
Si bien creo que no está del todo equivocado,pienso también que la elección de los filmes ha contribuido al logro de su particular objetivo familiar.
Efectivamente, en el buen cine se condensan no sólo historias, sino emociones, sentimientos, enseñanzas o experiencias que aunque están también en los libros, es sin duda más digerible para los jóvenes a través de los fotogramas.
Afortunadamente en el mercado existen hoy un gran número de clásicos editados en DVD
que faciltan a los padres el imitar a Gilmour en esta interesante experiencia, compartiendo con sus hijos no sólo calidad de tiempo.También calidad de vida.

"Cineclub" está editado por Reservoir Books.

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE de Lewis Milestone

2009-11-27T23:32:00.000-08:00

Considerada como un alegato antimilitarista, "Sin Novedad en el Frente"("All quiet on the Western Front-1930-) es una magnífica película en la que hay que destacar muchos y variados privilegios formales. Las eficientes tomas retratando las asperezas de la vida en las trincheras, anticipan los soberbios planos que Stanley Kubrick filmara en "Senderos de Gloria"(1957):imágenes crudas, crueles, sin concesiones y que convierten al espectador en testigo de las sinrazones de la guerra.
La película narra la historia de unos jóvenes mandados al matadero bajo la excusa de la honra a la patria.Entusiasmados con los iniciales tambores de guerra, no tardarán mucho en vivir la crueldad, el hambre, y finalmente la muerte en los campos de batalla.Sólo el compañerismo redime la sordidez propia del espanto.
A pesar de algunos diálogos excesivamente melodramáticos(en los que el silencio sería más expresivo), véase el arrepentimiento demasiado locuaz que expresa el protagonista al matar a un soldado francés- esta obra de Lewis Milestone posee ingeniosos hallazgos visuales que rozan la genialidad; un mismo par de botas, heredadas y calzadas por varios soldados, enlazan sus vidas y sus muertes en una de las secuencias más personales del film. No obviaremos los planos nadir subjetivos en las sucias trincheras, los grandes travellings a ritmo de ametralladora,la puesta en escena de los multitudinarios desfiles...
Una película necesaria, urgente, de talante desasosegante y que concluye en un pesimista pero bello final.La guerre est finie.

ANÁLISIS DEL FILM “PSICOSIS”-Por Fco.Javier García

2009-11-14T11:35:00.001-08:00

ANÁLISIS DEL FILM “PSICOSIS”-Por Fco.Javier García

1) RECOGIDA DE DATOS (contexto de producción y ficha técnico artística)

CONTEXTO DE PRODUCCIÓN

La película, dirigida en 1960, se encuadra dentro de un contexto político complicado. Un año antes había triunfado la revolución castrista en Cuba, radicalizando la guerra fría entre los países del ámbito comunista y los del ámbito capitalista.

Esta película no refleja en ningún momento esta situación política, pero el mismo director se haría eco de ella en una película posterior, “Topaz” ,del año 1969.

Dentro de la filmografía del Alfred Hitchcock, esta película supuso un cambio estilístico, ya que su película anterior, “Con la muerte en los talones”(1959), se atenía a patrones más clásicos, mientras que ésta se destacó por su enorme modernidad visual. De hecho tuvo problemas con la censura que Hitchcock y su equipo sortearon con habilidad.

El director inglés se rodeó para filmar la película del equipo habitual que realizaba su serie televisiva”Alfred Hitchcock presenta”y contribuyó a crear un subgénero dentro del género de terror- las sagas de los asesinos psicópatas-que tantas obras de mayor o menor calidad, ha dado el cine después.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Productora :Paramount

Año y país: EEUU 1960

Productor: Alfred Hitchcock

Director: Alfred Hitchcock

Guionista: Joseph Stefano según la novela de Robert Bloch

Montador: George Tomasini

Músico: Bernard Hermann

Escenógrafo: John Hurley, Robert Claworthy y George Milo

Vestuario: Helen Colvig

Diseño de créditos: Saul Bass

Fechas y lugar de rodaje: 1959 Estudios Paramount y Arizona

Formato: 1.33:1 (4:3)

Sistema de color: Blanco y negro

Fecha de estreno:16 de junio 1960

Fotografía: John L.Russell

Duración: 109 minutos

Intérpretes:

Anthony Perkins :Norman Bates

Janet Leigh: Marion Crane

Vera Miles: Lila Crane

John Gavin: Sam Loomis

Martin Balsam :Milton Arbogast

John McIntire: Sheriff Al Chambers

2) RECONSTRUCCIÓN DEL TEXTO FÍLMICO

(sinopsis argumental y segmentación)

Marion Crane, una joven secretaria de una inmobiliaria, mantiene un romance prohibido con Sam Loomis, un hombre en proceso de divorcio. La falta de dinero les obliga a mantenerse separados, por lo que Marion decide robar 40.000 dolares y emprender una huída que la lleva a un motel que regenta el enigmático Norman Bates.

En cuanto a la segmentación, dividiremos la película en tres secuencias, si entendemos como tales aquellas unidades en las que se plantea, desarrolla y cierra un determinado conflicto dramático:

1) Desde la escena de cama del inicio de la película hasta la llegada al motel de Norman Bates. En esta primera parte al principio encontramos los decorados que forman parte de la vida cotidiana de la protagonista-oficina, apartamento- hasta que llega al motel, de ambientación más bien siniestra. El montaje es convencional y también los planos que son utilizados.

2) Desde el encuentro con Norman Bates hasta el hundimiento del coche en el pantano. El motel de estilo funcional contrasta con la mansión de estilo victoriano y son protagonistas inanimados de este segundo fragmento. Los alardes de montaje y de tempo son más palpables en esta parte.Prima la oscuridad en la iluminación.

3) Desde el conocimiento de la desaparición de Marion Crane por parte de su hermana hasta la explicación del psiquiatra. Aunque también es un fragmento oscuro desde el punto de vista de la iluminación, la introducción de nuevos personajes crea un ambiente menos asfixiante.

Hay que hacer notar la estructura del relato, ya que generalmente en las películas convencionales, el o la protagonista aparece por lo general en todas las escenas como hilo narrativo.

En este caso la protagonista deja de serlo a mitad de la segunda secuencia, para ceder el testigo del protagonismo a su hermana, aunque ésta no tiene tanta entidad como Janet Leigh.

3)ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL TEXTO FÍLMICO

Códigos visuales

Debido a la experiencia que acumulaba Hitchcock en 1960-había dirigido hasta entonces más de 50 películas- es notoria la cantidad de recursos visuales que utiliza justificadamente a lo largo del film.

Desde el principio el director nos sorprende con una gran panorámica que se convierte en un travelling y que nos introduce al interior de un apartamento. A partir de este momento nos encontramos a lo largo del film con abundantes planos medios, primerísimos planos y planos de detalle-como los filmados en el cuarto de baño-o planos generales cuando quiere erigir la casa de Bates en absoluta protagonista de las escenas.

Bastante significativo es el plano secuencia que muestra la habitación de Marion Crane, en donde vemos en un primer plano el fajo de billetes, para encuadrar posteriormente la maleta a medio hacer. Mediante esta imagen, Hitchcock logra con habilidad resumir lo que la protagonista ha hecho y lo que va a hacer a continuación sin utilizar el diálogo o el monólogo interior.

Los movimientos de la cámara no se han realizado aleatoriamente. Bastante significativo es el plano del asesinato de Arbogast. Comienza en picado para convertirse en cenital , estrategia fundamental para preservar la identidad de la señora Bates.

También hay contrapicados que refuerzan la tensión, como aquel que muestra la barbilla y garganta de Norman Bates ,muy contrastada en iluminación, mientras analiza con Arbogast el libro de registro.

Precisamente la luz sufre un cambio evidente si comparamos las primera secuencias, con una iluminación más homogénea , con las escenas que tienen lugar en el motel, donde el contraste lumínico es más exagerado. Es de destacar la iluminación en clave alta de la escena de la ducha, inusual para lo que es normal cuando se filman asesinatos.

Por otra parte se debe hacer mención a la variedad de texturas dependiendo de la intención de las escenas, más uniformes en la inmobiliaria y en la oficina de policía, pero más variadas de texturas en el motel: madera, animales disecados, telas etc. En definitiva hay una cuidada puesta en escena muy evidente en los decorados. Recordemos , por ejemplo, la decoración francamente decadente de la habitación de la Sra. Bates, o la singular habitación de los pájaros disecados con una iluminación muy cercana al claroscuro.

Códigos sonoros

En cuanto al sonido, cabe destacar las voces en off que escucha Marion en el interior del coche o el silencio en la escena de la ducha hasta la irrupción de la música.

Precisamente ésta merece un aparte por su significación en la película.

Desde los créditos iniciales, la música de Bernard Herrmann transmite la tensión que vamos a sentir en el transcurso de la película, pero es precisamente el sonido de las cuerdas estridentes el que subraya los dos momentos de mayor impacto visual del film: la sincronización con las cuchilladas en la escena de la ducha y la sincronización con el vaivén de la bombilla en la escena del sótano. Este recurso ya lo había utilizado el director Británico en “La muchacha de Londres”(1929), cuando la protagonista en una de las escenas más impactantes de la película no deja de escuchar la palabra “knife” que la atormenta y le recuerda su crimen.

Códigos sintácticos

Los títulos de crédito de Saul Bass, nos adelantan el carácter de lo que nos espera por ver; una película sin concesiones a la belleza fotográfica (entendida ésta desde el sentido tradicional), sobria en su concepción formal, y con un desdoblamiento en el propio título de la película que prefigura la personalidad del protagonista.

Hitchcock utiliza en el primer tramo un montaje convencional con algún inserto ,como el ojo de Norman observando a través del orificio, pero acelera el tempo mediante la concatenación de planos en la escena de la ducha en la que engaña totalmente el espectador haciéndole imaginar que se está acuchillando a alguien mientras de lo que se trata es de una coreografía hábilmente realizada.

Los numerosos Story-boards ,que han quedado como documentación en la realización de la película, nos hablan del carácter meticuloso de Hitchcock, no dejando nada al azar y planificando los planos hasta el último detalle. De hecho es conocido que el director británico daba por concluida una película en el momento en que acababa de perfilar definitivamente el guión, considerando el rodaje como una labor tediosa y rutinaria.

4)ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS FORMALES DEL RELATO

a) Enunciación y punto de vista

El narrador es impersonal o extradiegético, puesto que no participa en la historia y es exterior a los sucesos que se narran. Además es omnisciente, conoce aspectos de la narración que desconocen los protagonistas.

Marion Crane no sabe que va a ser asesinada, Norman Bates no sabe que está siendo investigado, pero sí que de todo ello tiene conocimiento el espectador.

b) El tiempo cinematográfico

El orden es lineal, puesto que los acontecimientos se desarrollan cronológicamente. Por otra parte, el tiempo de narración es simultáneo o contemporáneo a los hechos narrados, pero hay dos excepciones:

-El relato del Sheriff sobre la vida de la familia Bates, conocido como analepsis.

- La explicación del Psiquiatra en el último fragmento de la película sobre la personalidad de Bates, ya que el tiempo narrativo es posterior a lo acontecido, pues tanto los actores como el espectador asisten a una narración de hechos pasados.

No son utilizados los flash-backs visuales y da la impresión- excepto alguna elipsis comprensiva- que asistimos a los acontecimientos en tiempo real. Véase el caso del hundimiento del coche, o la búsqueda de la Sra. Bates por parte de la hermana de la víctima.

c) Estructura del relato

Atiende a la segmentación anteriormente explicitada aunque cabe desmenuzarlo aún más atendiendo a las escenas que podrían ser capítulos del libro en que está basado.

-El apartamento

-La oficina

-La casa de Marion

-El viaje en coche

-La tienda de coches usados

-La llegada al motel

-La oficina de Norman Bates

-La ducha

-El pantano

-El almacén

-La casa del Sheriff

-La casa de Bates (interior)

-El sótano

-La oficina del psiquiatra

-La celda de Bates

d) Existentes(personajes y escenarios)

Los personajes principales son jóvenes, mientras que los secundarios son de mediana edad (, vendedor, policía) o tercera edad (Jefe de Marion,Sheriff)

Tanto Marion como Norman muestran una dualidad evidente, ya que sus personalidades tienen sus luces y sus sombras, lo que los convierte en los personajes más interesantes, sin contar por supuesto con la enigmática Sra. Bates. Una de las escenas más importantes es la conversación de ambos en la habitación de Bates, ya que muestran similitudes al ser dos personas que ocultan algo, pero que sin embargo muestran a su manera cierta moralidad.

El resto de los personajes-Sam Loomis, Lila Crane- son más planos, a pesar de la profesionalidad de los actores que los encarnan.

Se puede considerar la siniestra casa victoriana como otro personaje, ya que su presencia intimida, y de alguna manera simboliza a la propia Sra. Bates.

5) ANÁLISIS DE LA TEMÁTICA

Aunque aparentemente el tema de la película pueda parecer la locura, también en “Psicosis” aparecen otros temas que Hitchcock trató en otras películas suyas, como la culpa y el sexo.

La relación sexual – sentimental que mantiene la protagonista Marion Crane con Sam Loomis la mueve a cometer el delito. La moralidad de la protagonista le hace sentir culpa por el robo cometido y plantearse la devolución del mismo. Por otra parte, el sexo desencadena tanto los crímenes de la Sra. Bates y de su amante como el de Marion Crane.

6) INTERPRETACIÓN INTERSUBJETIVA (hermeneútica, crítica de un filme)

“Psicosis” es una magnífica película de terror que ya en su estreno tuvo un repentino éxito debido a la efectiva campaña de promoción que se realizó, aconsejando a los espectadores que no desvelaran nada acerca del misterio final.

Realizada con unos medios muy ajustados- comparada con otras superproducciones de Hitchcock- están sin embargo optimizados eficazmente; decorados modestos pero solventes, filmación a blanco y negro pero con una contrastada iluminación, pocos protagonistas pero con interesantes relaciones entre ellos, y unas excelentes interpretaciones que son reforzadas por la labor de montaje del director.

Como hemos dicho más arriba, el director utiliza los códigos visuales, sonoros y sintácticos con la habilidad que da la experiencia pero sin ningún afán de repetirse.

Visualmente es una película sobria y que muestra ciertos tipos de la América profunda que el director no oculta despreciar. Es el caso del prepotente hacendado que humilla a Marion- quizá inconscientemente-con su fortuna y que relaciona con la felicidad. Quizá por este dibujo de los personajes, nos ponemos a favor de la protagonista aunque el robo sea reprobable. Tendremos más oportunidades a lo largo del film de sentir mayor empatía por ella.

Norman Bates también es un personaje trazado con brillantez. Su vulnerabilidad le hace cercano a la protagonista, y a pesar de sus crímenes, lo vemos como una víctima más. Recordemos que Hitchcok repitió varias veces y en diversas entrevistas que el villano de la película tenía que estar a la altura del héroe y esto es sin duda un ejemplo de ello.

Sin embargo debemos resaltar que los otros dos protagonistas, la hermana y el amante de Marion, no resultan igualmente interesantes. Da la impresión de que el director los utiliza a su antojo para seguir articulando la película pero que no dejan de ser personajes de cartón piedra.

Volviendo a los códigos sonoros, recordemos la voz en Off que escuchamos en la huída de Marion Crane, dejando al espectador que imagine si está sucediendo en la realidad o es fruto de la conciencia de la protagonista.

La música, inquietante cuarteto de Bernard Herrmann, subraya los momentos de tensión pero evita hacerlo cuando no es necesario para la intencionalidad del film.

A mi juicio la película se ve lastrada por la efectista sorpresa final, ya que para el espectador que la ve sucesivas veces el desenlace pierde evidentemente interés, y también por la explicación –pedagógica en exceso- del psiquiatra, quizá muy propia de la época y destinada al público que desconocía las teorías de Freud y las represiones de los instintos humanos.

Aún así la influencia de”Psicosis” en el cine de terror ha sido amplia, siendo imitada hasta la saciedad. No olvidemos los homenajes de Brian de Palma en “vestida para matar”(1980) ,el remake”Psycho” de Gus Van Sant en 1998 y las múltiples parodias que se han hecho posteriormente y que han convertido a este film en un icono del cine de terror universal.

NO SOMOS ÁNGELES

2009-11-14T11:22:00.000-08:00

De vez en cuando nos encontramos con películas que, sin poder ser catalogadas como obras maestras, nos dejan un grato recuerdo que nos impele a visionarlas de nuevo en cuanto se da la ocasión. En mi caso, "No somos Ángeles" de Neil Jordan se encuadra en esta tipología de pecados fílmicos confesables.
De acuerdo que las interpetaciones de Robert de Niro y de Sean Penn, están pasadas de rosca, y que hay trucos de puesta en escena que son un poco forzados, pero quizá por no ser una película perfecta se la tiene aun más cariño.

Ambientada en unos grises años 30 en la frontera de EEUU con Canada, Neil Jordan nos relata un cuento de dos reclusos que tras huir de una prisión tienen que disfrazarse de sacerdotes católicos para integrarse en una pequeña comunidad y pasar desapercibidos a los ojos de la ley.Estos pícaros ven trasformadas sus vidas al tener que adoptar las vestimentas y las actitudes de la orden monacal en la que se integran

Una película donde la causalidad o casualidad de los milagros se manifiesta en hilarantes escenas surgidas de un ingenioso guión escrito por Davis Mamet, en donde los personajes sufren una progresiva transformación tras los increíbles sucesos que les acontecen.

¿Quién dijo que el hábito no hace al monje?